Y justamente hoy, leo en la revista francesa “Classica” n°141 del mes de abril 2012, una nota editorial de Alain Duault - periodista, poeta y novelista, conocido como el “Señor música clásica” de la radio RTL y del canal France 3 – que se intitula:

“Carta al (futuro) Presidente de la República”

La nota incluye tres proposiciones en materia de educación musical, difusión y acceso a la cultura, “cuestiones esenciales”, y vaya que considero que lo son. Me ha llamado la atención la primera sugerencia, así que la comparto con ustedes (mi traducción):

Las otras dos proposiciones se relacionan con las orquestas y las óperas y el acceso a la música a través de la tv, los CDs y DVDs, y el cine.

Pero regresemos a la primera propuesta. ¿Se imaginan el efecto más probable que produciría hacer de la experiencia de escuchar la música clásica una rutina obligatoria? Me podrán decir que depende de la edad de los niños. Pero, por ejemplo, comenzar cada mañana de la misma forma en la escuela ya se ha realizado con el ejercicio físico y no me parece que haya generado mucha, mucha gente apasionada de la práctica del deporte… O cuando durante años se comienza la jornada rezando… ¿mucha gente lo continúa realizando y apreciando una vez terminada la escuela? Tengo muchas dudas. Y siguiendo el razonamiento de la propuesta: ¿no sería también necesario incluir una pintura o una escultura cada día? Imponer esta rutina para que los alumnos conozcan la música clásica me parecería contra-productiva. Lo que sí comparto es la necesidad de que todos los alumnos tengan la oportunidad de conocer obras maestras de la música (y de las artes). Considero que sería mejor en el marco de una propia materia de educación musical, ¡lo que espero se incluya en los programas educativos de las escuelas! Además, se debería insistir también en la práctica de un instrumento, que se relaciona claramente con el placer de descubrir la música.

Hoy es primero de abril. Se da la coincidencia de que también en muchos países éste es el día de las bromas (poisson d’avril, April fool’s day, Pesce d’aprile), similar al día de los santos inocentes… así que me parece mejor interpretar como una broma esta propuesta al (futuro) presidente francés para “mejorar la educación artística”…

• En materia de fotografía, cabe destacar la exposición “Henri Cartier-Bresson/Paul Strand, Mexique 1932-1934” que se presenta actualmente en la Fondation Henri Cartier Bresson y hasta el 22 de abril. En ésta es posible comparar dos visiones de un mismo país y dos enfoques de la fotografía muy contrastados.

• Programada y luego “desprogramada”, finalmente se presenta la exposición “Resisting The Present – Mexico 2000-2012” en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París, con una muestra de la escena artística juvenil mexicana. Activa desde los años 2000, ésta ha podido establecer una original propuesta estética y discursiva en la que la reformulación del arte en su interacción con la vida, en un espacio social activo, es la apuesta esencial. Los artistas de esta muestra privilegian un compromiso cabal con la actualidad. Sus obras más significativas cuestionan directamente las condiciones políticas y sociales en las que viven.  Instalaciones, vídeos, dibujos en formato XXL, esculturas que han explotado, fotografías… todas obras de una veintena de artistas nacidos después de 1975, como el dibujante Bayrol Jiménez, el cineasta Carlos Reygadas (muy conocido de este lado del Atlántico) o Marcela Armas que ha llamado mucho la atención con su escultura que suelta petróleo sin fin (I-Machinarius)… La exposición es producto de una investigación compartida entre el Museo parisino y el Museo Amparo de Puebla, México. Así también ha sido la ocasión de recordar algunos de los lazos que se han tejido entre México y Francia a través de figuras singulares, poetas e intelectuales (Man Ray, Jean Genet, Robert Desnos, André Breton, Roger Caillois…) cuya presencia se manifiesta en la obra de algunos artistas (Iñaki Bonillas, Mariana Castillo Deball, Erick Beltrán, Jonathan Hernández, Jorge Satorre, Pablo Sigg).

• “Las máscaras de jade mayas” se pueden ver en la Pinacoteca de París (institución privada cuyas instalaciones estrechas me hacen emitir ciertas reservas…) hasta el 10 de junio. Se trata de unas 15 máscaras en mosaicos de jade recientemente restauradas, es decir la mitad de las que cuenta México. El conjunto está presentado con otros objetos y piezas arqueológicas (estelas gravadas, cabezas esculpidas, cerámica…). La escenografía es inexistente, aunque los textos explicativos son bastante completos y siguen un orden histórico.

• Aunque no se trata de una exposición específica sobre México, la muestra “Foto/gráfica, una nueva historia de los libros de fotografía latinoamericanos” actualmente en “Le Bal“ - un centro especializado en fotografía documental inaugurado en 2010 -  muestra aspectos originales de los libros de fotografía latinoamericanos, entre los que los mexicanos ocupan un lugar destacado. Se trató inicialmente de una extensa investigación encabezada por Horacio Fernández, a manera de estudio crítico, que muestra la enorme aportación de América Latina al fotolibro.  El editor del Libro que resultó del proyecto es RM, basado en la ciudad de México. Fue un reto organizar una escenografía para esta muestra ya que no se iba a permitir tocar directamente los fotolibros. De esta manera, además de fotografías, hay en vitrinas ejemplares abiertos en páginas notables de dichos libros. Es posible consultar un artículo del diario El País sobre la expo. En el marco de las conferencias relacionadas con este proyecto, se realizó una que abordó el tema del cine de vanguardia en Latinoamérica, con una sesión especial dedicada al caso mexicano.

En resumen, gratas y enriquecedoras exposiciones que confirman la relación entre México y Francia a través de su cultura y sus artistas.

Mientras que el pasado sábado 21 de enero comenzó el programa de “Guimarães 2012” Capital Europea de la Cultura” (CEC) con una gran ceremonia de apertura – lo  que su compañera eslovena “Maribor 2012” hacía una semana antes – llega la hora del balance para las dos ciudades que durante 2011 enarbolaron el título de la capitalidad: Turku en Finlandia y Riga en Estonia. Pero no solamente, comienza también en el desarrollo cultural de ambas ciudades, la transición hacia la etapa posterior al año de la capitalidad. Esa etapa que presenta siempre cierta incertidumbre, a pesar de ya haber sido considerada desde el inicio en la definición del espíritu del programa, así como en su largo proceso de planeación.

Explorar el tema de las Capitales europeas de la Cultura y sus efectos a mediano y largo plazo merece una atención particular, como lo han venido mostrando Robert Palmer o la Dra. Beatriz García, entre otros. En el marco de la plataforma de análisis y reflexión “Poiein kai Prattein” (Crear y hacer), algunos investigadores interesados en el triángulo “Cultura, Desarrollo Sostenible y Ciudades” estamos iniciando una colaboración y nos hemos planteado entre nuestras líneas de trabajo, una sobre las CECs y la sostenibilidad. Como personalmente también me enfoco en los centros culturales, he encontrado un caso que presenta un gran potencial de estudio en este campo: el Centro Cultural Logomo de Turku, que jugó un papel preponderante en el transcurso del programa de “Turku 2011”.

El objeto de esta nota es entonces ofrecer una breve descripción del programa de la capitalidad y de este centro cultural que no es muy conocido en Latinoamérica – incluso en Europa, me atrevería a decir – y destacar sus principales características con el fin de entender cómo participó y evocar algunas pistas de observación para la etapa subsiguiente que analizaremos más tarde en este año.

Turku, la ciudad

Turku, en cuyos astilleros se dice que se construyen los mayores buques de cruceros del mundo, es la ciudad más antigua de Finlandia (fundada en 1229). Se encuentra a 150 km. al Este de Helsinki, y por la población de su área metropolitana (300.000 habs.) llega a ser la tercera del país. Fue la capital del país hasta 1812, y hoy en día es la “ciudad oficial de la navidad en Finlandia”. Un terrible incendio en 1827 destruyó los 2/3 de sus edificios, por lo que su actual fisonomía presenta un aspecto bastante uniforme, en un plano cuadriculado, y sin muchas huellas de su pasado medieval. La ciudad cuenta con una buena reputación como cuna de artistas: se puede citar a Meiju Niskala, artista de performance, el escultor Kim Simonsson y el compositor Ulf Langbacka, entre otros. También es conocida por tener una de las mejores academias de arte de Finlandia, por no hablar de su reconocida escuela de circo. Incluso se dice que la música electrónica nació en Turku; de hecho, el más antiguo festival citadino en Finlandia, “Down by the Laituri”, se considera entre los mejores eventos musicales de la Europa nórdica. Para los responsables de la designación de la Capital Europea de la Cultura en Finlandia, el perfil de esta ciudad – un refugio artístico sofisticado pero relativamente desconocido – encajaba perfectamente con las ambiciones del programa comunitario.

“Culture does good”, la cultura hace bien: el programa de la capitalidad

Cuando Turku fue seleccionada en 2006, había dejado atrás a seis competidoras, entre ellas Rovaniemi, Tampere, Oulu, Jyväskylä… El lema de la presentación de su candidatura era “Turku está en llamas” y desde el inicio concibieron la aventura más como un proceso que como un programa para un año. Así, formaron parte del programa 163 proyectos de diverso tamaño de los cuales, tres de cada cuatro habían sido seleccionados a partir de una convocatoria pública. Ello refleja bien los puntos de partida de su proceso: base abierta y participación amplia. El contenido se dividió en cinco temas: Trasformaciones 2011, Despegues (take offs) 2011, Exploraciones del archipiélago 2011, Personalmente 2011, y Memorias y verdades 2011. Sus principales objetivos eran el bienestar (well-being), el internacionalismo así como la exportación comercial de la economía creativa y la cultura. Se realizaron aproximadamente 5.000 eventos y actividades (abiertos al público en general o enfocados a grupos de escolares o de mayores, por ejemplo) de los que 70% eran gratuitos. Respondiendo a la vitalidad idiosincrática de la escena artística de Turku, se contó con la participación de 15.000 artistas, contribuidores y productores; los extranjeros provinieron principalmente de Suecia, Gran Bretaña, Alemania, Estonia y Estados Unidos. Hablando del objetivo del bienestar, lo declinaron en dos componentes: salud y medio ambiente. Así, con respecto al segundo, desarrollaron la línea temática del agua, sobre todo durante el verano. Y ligando agua y salud (y fuego), un proyecto cultural emblemático se realizó en torno a los baños sauna – lugares y prácticas tan ligadas a la sociedad y la cultura finlandesa. Es interesante resaltar un aspecto del tratamiento de la relación de salud y cultura: con el respaldo de la comunidad médica y la seguridad social, los doctores en centros de salud de la ciudad distribuyeron 5.500 “recetas culturales”, es decir vouchers que permitían la entrada a eventos del programa de la capitalidad, gratuitos para los habitantes y sin costo para las finanzas de los centros de salud… ¡una creativa manera de poner en práctica su concepción de que la cultura participa en la salud!

Logomo – El “Centro de Cultura”

Una vez planteado el marco, podemos concentrarnos en el centro cultural Logomo, una de las principales sedes del programa cultural de Turku 2011, proyecto lanzado especialmente para la capitalidad, y que según el alcalde de Turku, Aleksi Randell “tiene por misión aprender de los métodos creados por las experiencias durante el año, avanzar y desarrollarlos hasta que se vuelvan operaciones permanentes”. En efecto, muchas de las esperanzas de la ciudad se han depositado en el audaz proyecto de renovación edilicia de lo que fuera un antiguo almacén y un cobertizo de mantenimiento de trenes que remonta a la época de los zares. Vendido por la compañía de ferrocarriles de Finlandia hace seis años a una empresa que intentó, sin éxito, que se convirtiera en un parque de diversiones, el inmenso edificio de ladrillo ha renacido como un Centro Cultural de 24.000 m², con espacios versátiles para conciertos, exposiciones, un restaurante, un café, una tienda y estudios para artistas y empresas creativas. Hartela, una empresa finlandesa, ha invertido 50 millones de euros en la limpieza y remodelación de la estructura en ruinas, apostando en que Turku se convertirá en un imán para las artes y la cultura después de 2011.

Contrasta el aspecto exterior industrial histórico con el interior espacioso y moderno, que ofrece más de lo que parece. Su ubicación central cercana a la estación central de trenes es una gran ventaja. La funcionalidad ha sido prevista como elemento esencial: la mayoría de los espacios pueden ser adaptados (reduciendo o aumentando su capacidad). La gran sala de Logomo puede recibir eventos de hasta 3.500 personas. El escenario puede ser modificado de 0 a 700 m² y colocarse de manera que se pueda crear un anfiteatro moderno. También se puede acoger seminarios, conferencias y congresos al contar con la tecnología necesaria. En 2013, el espacio de oficinas en Logomo será perfectamente adecuado para los trabajadores y las empresas del sector creativo. El objetivo es crear una comunidad de profesionales que se complementen y se apoyen mutuamente y así, fotógrafos, agencias de viajes, ilustradores y traductores tendrían colaboradores al alcance de la mano. Los espacios-estudio se han diseñado para artistas profesionales y van desde salas pequeñas de unos pocos metros cuadrados hasta grandes espacios adecuados para el trabajo colaborativo. En su primera etapa, es decir durante 2011, 9.000m² estuvieron disponibles para albergar un gran número de actividades del programa que no podrían haberse realizado en otras instalaciones de Turku (culturales o no).

El ala Oeste de Logomo recibió las cinco principales exposiciones, abiertas todos los días:

• Fire! Fire! Producida en colaboración con el centro finlandés de ciencias, trata del fuego y del gran incendio de Turku, asociando elementos artísticos tanto en la concepción como en la presentación.
• Only a Game? Es una exposición para las familias, organizada por la Unión de asociaciones de futbol europeas y que da perspectivas sobre este deporte y sus seguidores, llevando a los visitantes al mundo de los juegos.
• Alice in Wonderland (Alicia en el país de las maravillas): Una ambiciosa exposición de fotografía contemporánea del Museo finlandés de fotografía. Con las obras de 31 artistas, interconectadas a través del mundo de la fantasía y llevadas a la realidad por varios métodos, la exposición da lugar al humor y al comentario crítico.
• La exposición ARS11 de vídeo instalaciones preparada por el Museo de arte contemporáneo Kiasma con trabajos de Isaac Julien (sobre la migración ilegal en el Mediterráneo con un enfoque visual y poético) y de Eija-Liisa Ahtila (Where is Where?)
• La retrospectiva de la obra homoerótica de Tom of Finland (Touko Laaksonen 1920-1991), originario de Turku.

El ala Este, en su auditorio y la sala de espectáculos, acogió los eventos de danza (por ejemplo de Tero Saarinen), una ópera, comedias musicales, conciertos de heavy metal, rock, jazz, música clásica… y eventos especiales, como el día internacional contra la homofobia y transfobia, o el día internacional de la ciencia.

Desde su apertura en enero hasta mediados de diciembre, Logomo había recibido 248.000 personas y concluyó su etapa festiva el 18 de diciembre de 2011. Algunas de las exposiciones se vuelven a abrir en 2012 dado el éxito obtenido. Logomo continúa su desarrollo en el marco de la estrategia prevista, viviendo una transición – no sin cierta nostalgia – con respecto a la explosión de energía que representó su primer año de existencia. Su papel en cuanto a motor del impulso a las industrias culturales y creativas ha generado grandes expectativas.

Turku 2011 “sería un fracaso si durara sólo un año”: un legado con impacto a largo plazo y sostenibilidad

Cay Sevón, Directora ejecutiva de la Fundación Turku 2011, declaraba lo anterior al New York Times, agregando que la designación de Turku como CEC debía “cambiar la ciudad de una manera profunda”. La concepción de la candidatura ya incluía la visión de que los logros de la capitalidad debían resonar en el futuro tanto regional como nacionalmente. En consecuencia, un grupo de trabajo fue creado para captar el aprendizaje de las mejores prácticas y generar nuevas ideas a partir de la experiencia de 2011. Por ejemplo, con base en un cuestionario final se encontró que el 78% de los responsables de los proyectos pensaban que las actividades generadas dentro de la capitalidad continuarían después de 2011. También se organizaron seminarios sobre el espacio urbano, la arquitectura y el desarrollo sostenible. Más allá, la ambición es que se pueda compartir a nivel europeo modelos sobre cómo la cultura puede aumentar el bienestar y cómo se puede cooperar de nuevas formas, como en el caso de la ciencia y la cultura. En colaboración con la Universidad de Turku, distintos estudios de seguimiento y tesis doctorales se han emprendido al respecto y se desarrollarán hasta 2016. Además, a nivel local, han emprendido la evaluación de cómo se ha hecho de Turku una ciudad más acogedora y hasta qué grado se ha fortalecido la vida y la experiencia cultural en ella.

Un caso que merece seguimiento

En conclusión, por los elementos expuestos, considero que el centro cultural Logomo y los resultados del programa de Turku 2011 merecen una atención particular de parte de quien se interesa en los temas de la cultura, la sostenibilidad y las ciudades. Obviamente cada experiencia de esta naturaleza es única y no reproductible, pero el caso de Turku puede sin duda dejar muchas lecciones positivas  y negativas y aumentar nuestra comprensión del sentido que ha tenido en la práctica el Programa de las Capitales Europeas de la Cultura a largo plazo así como la implicación en ellas de los centros culturales.

El viernes 18 de noviembre tuvo lugar una jornada de presentaciones en la sede del Ayuntamiento de París con respecto al Programa de investigaciones universitarias “París 2030”. Iniciado en 2004, su objetivo es contribuir a aumentar los conocimientos sobre París y prefigurar la metrópolis del futuro. A través del programa, se ha financiado hasta hoy 73 proyectos de investigación relacionados con la historia y el patrimonio, la diversidad y las transformaciones sociales, la biodiversidad y desarrollo durable, así como el atractivo científico internacional en relación con las dinámicas económicas, entre otros.

En la presentación de la jornada, Jean-Louis Missika, concejal responsable de la innovación y la investigación universitaria, señalaba claramente entre los desafíos de París el de “atraer a los artistas del mundo entero, favoreciendo la creación y la innovación, preservando al mismo tiempo la riqueza única de su patrimonio”. Por ello, fue natural que uno de los temas de las cuatro mesas redondas del programa de la jornada fuera el de la ciudad creativa, junto con la ciudad del conocimiento, la ciudad inclusiva y la ciudad reticular. Mi interés de base era principalmente el de conocer los aspectos de las investigaciones ligados con la cultura, la creatividad y la innovación. Parecía entonces que la mesa sobre la ciudad creativa sería la más adecuada para esto. En realidad, y afortunadamente, la separación no fue tan drástica, los tres temas que me interesaban aparecieron transversalmente en las otras mesas. Pero comencemos con esa sesión en particular.

Sala de fiestas repleta en el Ayuntamiento de París

El conferenciante invitado para introducir esta serie de presentaciones fue el Dr. Federico Casalegno, actual director (y fundador en 2005) del Mobile Experience Lab del Massachusetts Institute of Technology. Su Doctorado fue por cierto en Sociología de la Cultura y comunicación de la Universidad Sorbona-París V sobre “la comunicación mediada y la interacción social en las comunidades en red y en las ciudades conectadas”. Presentó brevemente tres experimentos que han puesto en marcha desde el Laboratorio, dos en Italia y uno en Brasil. El primero, ride.link, es un proyecto en la provincia de Brescia, trataba de mejorar la relación entre los jóvenes y la policía para evitar la conducción bajo los efectos del alcohol. Mediante un dispositivo (un brazalete) al cual el joven soplaba antes de conducir su auto, en caso de rebasar el límite legal aceptado, una conexión por teléfono móvil se establecía para informar a un amigo que pudiera remplazarlo en el volante y así asegurar que no se pondría en peligro su propia vida y la de los otros. El segundo proyecto que describió fue Locast – Travels, que consistió en una plataforma para compartir y descubrir vídeos generados por personas (no profesionales) o por la RAI TV en lugares identificados de Venecia, a través de teléfonos móviles y dispositivos computacionales movibles. La innovación consiste en pasar del concepto generalizado de la Web 2.0 al escenario prometedor del Space2.0 que mantiene las cualidades físicas y sociales de las ciudades italianas y las enriquece con el potencial de la computación ubicua. Un vídeo explica el proyecto. La tercera presentación fue de un proyecto llamado “Youth Mapping”, patrocinado por la Unicef. Parte de la constatación de que los jóvenes en las comunidades marginadas viven a menudo en áreas no representadas en mapas y de las que se conoce poco la geografía real en cuanto a servicios y a las interacciones que dan forma a su vida cotidiana. El Laboratorio de experiencia móvil está trabajando en tecnologías que ayuden a dichos jóvenes a crear y distribuir mapas convincentes de sus comunidades para informar y fundamentar las políticas y la toma de decisiones. Durante una semana, en un taller educativo, un grupo de jóvenes probó la plataforma local en un barrio de Rio de Janeiro.

Posteriormente, fue el turno de los tres investigadores del Programa París 2030.

María Gravari-Barbas, directora del Instituto de investigación y estudios superiores de turismo (IREST) y profesora en la Universidad París 1 Panthéon-Sorbonne, abordó el tema “París, metrópolis turística 2030” con el que fue galardonada en 2009. El proyecto analiza las mutaciones contemporáneas del turismo en París con el fin de mostrar sus nuevos territorios, las prácticas emergentes y revelar los puntos críticos en términos de gobernanza, de proyectos urbanos y de infraestructuras. Comentó que los turistas son “transparentes” en muchos estudios realizados sobre París, a pesar de su número considerable e impacto consecuente. Las tendencias muestran que los visitantes van a salir de los caminos trillados. No considera que la ciudad será un museo ni un Disneyland. Destacó la falta de articulación actual entre los proveedores de servicios turísticos: no se comunican ni han formado redes, lo que dificulta la generación de estrategias que estructuren al sector, sobre todo a nivel metropolitano.

Por su parte, Stephen Sawyer, Jefe del Departamento de Historia y estudios urbanos de la Universidad Americana de París, presentó su proyecto de “cartografía cultural de París-Metrópolis”. Partiendo de las dieciocho dimensiones de la sociología clásica, se interesó en representar “ambientes” en la metrópolis parisina. Tres en particular fueron definidos: el “París underground”, el “París bobo (bohemio-burgués)” y el “París art-de-vivre (arte o estilos de vida)”. Se orientó hacia tres dimensiones en función de dichos ambientes: análisis de la planificación cultural; análisis de la democracia metropolitana; análisis socio-económico. Para describir las caracterizaciones del espacio cultural parisino, evocó el “París archipiélago”, el eje “París Este-Oeste”, el “París fluvial”, que demuestran que los “ambientes culturales” resisten a toda lógica “centro-periferia”. Concluyó señalando que París es un vivero de nichos culturales, que florecen pero que son frágiles.

Después, Béatrice Fraenkel, Directora de estudios en la Escuela de Altos Estudios en Ciencias Sociales (EHESS) – Cátedra de la antropología de la escritura – evocó el proyecto de investigación “Escrituras urbanas de París 2030”, premiado en 2009. Se nutre de los trabajos del sociólogo francés Isaac Joseph. Un gran número de ciudades desarrolla hoy programas de lucha contra la “contaminación visual” (oposición entre la ciudad limpia y la ciudad desbordante), mientras que simultáneamente surge un “arte urbano” de prácticas gráficas individuales, lícitas o no. Su perspectiva es ecológica y política: estudia la ciudad donde se disputa el espacio público, cuyo acceso es un derecho para algunas personas que claman que “la calle nos pertenece”. Es importante reflexionar sobre esta problemática mientras surgen nuevos soportes de información urbana basados en las TICs, como son los Citywalls (se dice que apareció el primero en Helsinki como un experimento). La investigadora denuncia su uso sin antes contar con una filosofía de base.

Para responder a los ponentes, fue invitada Valérie Mancret-Taylor, Directora de planificación y estrategias metropolitanas del Consejo regional de Ile-de-France. Ella aludió la importancia de los imaginarios urbanos y la cuestión territorial: no se trata solamente de desarrollar clústers sino redes también y sobre todo en clave de colaboración, no únicamente de competencia. Evocó a Olivier Mongin, con su concepción de lo post-urbano y el rol de los individuos. Concluyó recordando la importancia de la multiculturalidad en París.

De las otras mesas redondas

Ahora recojo algunas de las ideas que he valorado de las otras mesas redondas, sin que pueda decir que sean completamente características de cada presentación. Señalo solamente que los discursos de los Alcaldes de París y Rio de Janeiro abrieron las jornadas. Después, en la introducción general, Jean Petitot, Director del estudios del Centro de Análisis y Matemáticas Sociales de la EHESS partió de la importancia de la “espacialización” (con a, no especialización) de los fenómenos en la evolución de los seres humanos. Recordó que nuestra inteligencia colectiva es más importante que la individual y que ésta surgió como inteligencia humana (en oposición a la de los primates) gracias a lo urbano. Hoy es importante estudiar y comprender la morfogénesis de París y su diferenciación funcional y espacial prestando una particular atención a los espacios que revisten importancia simbólica. Concluyó recordando que la creatividad y la innovación no se dictan, son imprevisibles, son arte. Cabe destacar la cantidad de tweets positivos generados en torno a esta presentación inicial.

En la mesa redonda “Ciudad cognitiva”, Greg Clark (Reino Unido), miembro del Urban Land Institute y consultor en desarrollo e inversiones para las ciudades y regiones, desarrolló en su ponencia la relación entre economía, espacio y conocimiento. Las capitales como París, Londres, Tokyo se están interesando en los sectores del conocimiento sobre todo ahora en el marco de la crisis, sin embargo otras ciudades como Boston, Singapur, Seattle o Basilea están teniendo más éxito a pesar de ser de tamaño mediano. Clark recordó que no son ciudades que solamente generan conocimiento sino que también lo comercializan. Para él, tres puntos de los que no se habla suficiente son: no hay muchas investigaciones que prueben que se crean muchos empleos; pocas empresas han mostrado ser rentables; es necesario considerar el desarrollo sostenible. Después, el Profesor Stéphane Van Damme, de Sciences Po París, presentó su investigación “Ciencias y capitales europeas: el laboratorio parisino”, en que consideró la sociología histórica de la organización del conocimiento con respecto a las técnicas de la capitalización del saber y de las redes nacionales y a escala europea. Señaló que en las épocas imperiales, el conocimiento circulaba al interior del territorio. París se consolidó en ese entonces como un tribunal científico también. Hoy en día, las ciencias se desarrollan en red, están cada vez menos ligadas a una localidad metropolitana y sus “centros” se encuentran frecuentemente lejos de los centros urbanos. En pocas palabras, se trata de la tensión entre una voluntad de arraigo local y las nuevas necesidades de una ciencia de gran circulación. Por su parte, Catherine Agulhon de la Universidad París 5-Descartes presentó una investigación sobre la acogida de los estudiantes extranjeros en París: “entre afiliación y repliegue”. En un contexto crítico como el que se atraviesa en estos momentos en Francia con respecto a la inmigración y la permanencia de los estudiantes extranjeros, la investigación muestra la heterogeneidad de experiencias, denunciando las dificultades a las que los estudiantes se enfrentan en París (aunque no solamente ellos, como decía un tweet de un estudiante francés). Lamentaron que después de haber hecho una selección tan exigente y haber formado a esos valiosos elementos, el Ministerio del interior dificulte que se queden y así “son los otros países que reciben los beneficios de su educación”.

La mesa “Ciudad incluyente” tuvo como ponente invitado a David Satterthwaite (Reino Unido) quien es investigador en el Instituto internacional para el medio ambiente y el desarrollo. Su presentación resaltó el papel de las federaciones o grupos locales para completar las acciones de los poderes públicos en las zonas más pobres de las ciudades, con ejemplos de la India (el barrio Dharavi en Mumbai) o África. Después, la investigadora Virginie Milliot de la Universidad París evocó el barrio de Barbès, “Laboratorio del pluralismo”. Éste es interesante a más de un título en el campo de la diversidad cultural y el diálogo intercultural: se trata de un espacio particular en la ciudad, un crisol de la vida pública. Numerosos inmigrantes llegan a Barbès en busca de apoyo, de comunicación, de sociabilidad… Las calles de Barbès no son para pasear (flâner) o circular – como en muchos barrios de París – existe un desbordamiento de la vida hacia la calle, lo que confiere una porosidad social al espacio. El humor, muy frecuente, sirve de elemento de ajuste en la negociación y participa en la pacificación en los intercambios entre identidades. El hecho de ser cosmopolita no ha dado lugar sin embargo a una permanencia de habitantes de otros barrios a pesar de las operaciones inmobiliarias. Parece que el fenómeno de gentrificación no se ha podido desarrollar. La profesora Elisabeth Méthais, del Conservatorio de Artes y Oficios de París, compartió brevemente con el público los avances de su investigación con respecto a “vivir en París en 2030 con Alzheimer”. Planteó las posibilidades que se vislumbra con el uso de las tecnologías (almacenamiento de información, comunicación, domótica, robótica…), como la de los dispositivos que ayudarán a situar al enfermo o que le permitirán desplazarse por la ciudad. La Profesora indicó que el estado del arte en la investigación sobre la enfermedad da esperanzas sobre la posibilidad de detectarla veinte años antes de que se desarrolle.

El panel de la mesa “Ciudad reticular” destacó la necesidad de servicios urbanos sostenibles, aprovechando las redes inteligentes, para respetar objetivos definidos en términos de bienes naturales y de energía. Laurence Raineau, investigadora en el Centro de estudios de técnicas, conocimientos y prácticas, de la Universidad París I, aludió estos objetivos mediante el análisis de los eco-barrios existentes en Alemania e Inglaterra, pensando en el impacto que podrían tener si se desarrollaran en París. Señaló que estos dos ejemplos han tenido un rol de “vitrina”, son visitados por muchos ciudadanos, pero están bastante desconectados de los demás barrios y de sus habitantes, creando algunas dinámicas más dignas de un laboratorio que de la realidad. Los cambios climáticos también han sido estudiados, por ejemplo, en cuanto al impacto sobre la agricultura en las zonas rurales que rodean a la ciudad y con modelos para prever las consecuencias del aumento de la temperatura.

La sesión de conclusión, además de los discursos del concejal Jean-Louis Missika, y de Anne Hidalgo, Primera teniente de alcalde de París a cargo del urbanismo y la arquitectura – he decidido no reseñar las presentaciones de naturaleza política – contó con la participación de Bjarke Ingels, dinámico arquitecto danés fundador del estudio de arquitectos BIG, quien mostró algunos proyectos impresionantes de arquitectura en relación con el espacio público y planteó vehementemente la importancia de promover el cambio, propiciando la democracia, la convivencia y la creatividad… Su concepto es el de un “hedonismo sostenible”. Impactante es el proyecto del Ayuntamiento de Tallin llamado el Periscopio, que busca la transparencia entre los ciudadanos y los políticos. También el del complejo de 8HOUSE en Copenhague o el del distrito que ha sido territorio de disturbios sociales y que ahora está en transformación (Red Square en Nørrebro). Gran conocedor de las presentaciones espectaculares (recordemos su participación en TEDGlobal 2009) y con grandes tablas en este campo, su participación fue significativa.

Presentación del Arq. Bjarke Ingels

Una expo casi onírica sobre el París que resiente el cambio climático en 2030

Me pareció particularmente evocadora la exposición montada para la jornada con pósters del proyecto “París +2°C”, mostrando una foto por distrito de París con el antes y después – un texto explicaba las adaptaciones y soluciones encontradas a los desafíos del cambio climático. Entre éstas: que no circulen más los autos, que hayan muchas líneas de tranvía (y que éstos también sirvan para el aprovisionamiento de mercancías), las fachadas serían modificadas, se utilizaría el agua de lluvia y se reciclaría la energía, se controlaría el flujo del río Sena cuyo nivel podría crecer frecuentemente… incluso habría un teleférico Montmartre-Montparnasse… Las imágenes y la expo fueron preparadas por el colectivo de arquitectos “et alors”.

Algunos de los pósters de la exposición

Algunos proyectos laureados en el campo de la cultura no presentados en las jornadas

Es interesante citar un proyecto de investigación laureado en 2008 y que no estuvo entre los ponentes: “Imaginar las prácticas culturales en el París de 2030” de Marie-Christine Bureau, del Laboratorio interdisciplinario de sociología económica del Conservatorio de Artes y Oficios de París.

Finalmente, otro reporte que concierne un tema cultural es “Inventario del patrimonio obrero en el distrito XIII de París” de Jean-Pierre Vallat, del Laboratorio de investigación Phéacie de la Universidad París VII – Diderot.

La lista de todas las investigaciones se puede encontrar en el sitio web del programa. Muchas de ellas tienen un enlace hacia una síntesis o un reporte.

Apostar por la investigación

Más allá de este programa, según el diario Libération, el Ayuntamiento decidió romper la alcancía para la investigación. En efecto, el alcalde Bertrand Delanoë prometió para su segundo mandato – en curso – una inversión en la educación superior y la investigación que se resume en un número redondo: mil millones de euros, que incluye los fondos para las universidades y también dos programas libres de investigación, en otras palabras, sin tema predefinido, llamado Research in Paris y Émergences. No es difícil justificar la inversión: en este siglo de la economía del conocimiento, París se enfrenta a Londres, Nueva York, Boston y pronto, sin duda, a las ciudades indias y chinas. Sin embargo, a mi parecer, la tarea va a ser dura si no se realizan diversas reformas necesarias para terminar de despertar a esta extraordinaria Bella durmiente que por mucho tiempo se ha dormido en sus laureles. Esta jornada muestra parte de esa voluntad.

« We'll always have Paris. » «Siempre nos quedará París»

Proyecto emblemático del mandato de Jean-Marc Ayrault, alcalde de Nantes, ciudad mediana al Oeste de Francia, el centro cultural La Fabrique fue inaugurado el viernes 30 de septiembre, lo que constituye una buena noticia en el marco de morosidad económica y anímica que se está dejando sentir a nivel nacional francés y europeo. A nivel local y metropolitano, su apertura es coherente con una serie de políticas culturales desarrolladas desde los años 90s con el fin de apoyar la emergencia artística, las nuevas formas de creación, las redes culturales y las soluciones colectivas que favorezcan el interés general, en un marco de dinámica transformación urbana y económica.

De hecho, si hubiera que dar un ejemplo significativo en Francia de lo que es la implementación del concepto de la “ciudad creativa”, Nantes podría ser citada en primer lugar, puesto que las autoridades públicas locales están desarrollando un “barrio de la creación” donde se están instalando establecimientos de educación superior y de investigación, empresas y centros culturales y creativos, entre ellos La Fabrique.

En esta nota abordaré brevemente la génesis de la estrategia cultural de la ciudad de Nantes, antes de presentar las características principales del nuevo centro.

Consolidación de la cultura en las políticas de desarrollo territorial de Nantes

“Al contrario de otras ciudades del mismo tamaño en Francia, Nantes es una ciudad de posibles. No se cierra la puerta a la cultura. Una idea respaldada por un buen dossier puede desencadenar una aventura”[1]

Después de las crisis económicas en los sectores naval y agrícola que afectaron a Nantes y su región, los responsables políticos detectaron la necesidad de abrirse a nuevas dimensiones, sobre todo la cultural, ya que deseaban entre otros evitar un repliegue comunitario por parte de los habitantes. Hacía falta desarrollar nuevos imaginarios y generar nuevas miradas sobre Nantes, así como darle una proyección internacional. Al mismo tiempo, ya comenzaban a ser numerosos los artistas residentes, muchos de éstos se presentaban en diversos espacios informales, adoptando formas de expresión artística en ocasiones muy contemporáneas y algunos son ahora aclamados a nivel internacional, como la compañía Royal de Luxe. Jean-Louis Bonnin, consejero cultural del alcalde de Nantes y del Presidente del área metropolitana comentaba en el marco de una formación que muchos actores culturales, como agencias o casas de edición, compañías de músicos y empresas del sector privado lo contactaban para solicitar apoyos o subvenciones con el fin de mejorar su trabajo tanto cualitativa como cuantitativamente, a lo que era difícil responder desde su posición de servicio público. Sin embargo, él estaba plenamente consciente de que esos profesionales de la cultura y sus empresas eran esenciales para el desarrollo mismo de la actividad artística y el acompañamiento de artistas. Comenzó así una reflexión en el Departamento municipal de cultura sobre la importancia de ese polo económico y su influencia en la vida cultural de la ciudad y del área metropolitana, reconociendo que frecuentemente las empresas creativas no tienen acceso a las ayudas de las Cámaras de comercio ni de los bancos. Realizaron entonces un estudio en el que se mostró por ejemplo que decenas de miles de empleos estaban relacionados con dicho sector y que éste tenía una dimensión internacional; una cartografía detallada posterior mostraba también que el 80% de los diplomados de la escuela de arte de Nantes trabajaba en el sector artístico privado local al concluir sus estudios. Enseguida se interrogaron sobre cómo encontrar financiación para este sector y concibieron programas de economía solidaria, cheques creativos, apoyos a la creación de mini empresas de tres o cuatro personas, entre otros. Estudiaron también los temas del valor agregado y de los derechos de autor.

De esta manera, en el marco de la estrategia general de renovación urbana – económica, social, industrial y ciudadana -  la cultura encontró su lugar natural, insistiendo en una apertura artística en el campo de las políticas culturales “tradicionales”, pero no solamente: inspirados por la noción de “ciudades creativas”, apostaron también por apoyar a los actores privados de la cultura relacionados con la arquitectura, el diseño, la moda, las tecnologías, los medios audiovisuales, etc., que hasta entonces no se consideraba mucho en la dirección de asuntos culturales. El consejero Bonnin comentó que es una cuestión altamente política en el sentido de que es necesario encontrar un equilibrio entre el servicio público y los imperativos económicos. Para aprender e intercambiar sobre  otras experiencias en el área de los clústers culturales, participaron como líderes en el proyecto ECCE (2006-2008), con la colaboración de ciudades europeas, universidades, empresas, etc. y actualmente continúan en ECCE innovation (2009-2011).

En resumen, podríamos decir que el proyecto del barrio creativo “Le quartier de la création” es la punta del iceberg de toda una estrategia política transversal emprendida para transformar a Nantes en una “ciudad creativa” de dimensión internacional con vistas al futuro. Detengámonos ahora en el más reciente de los elementos que integran este proyecto en devenir.

La Fabrique, laboratorio(s) artístico(s) en el “Barrio de la creación” de Nantes

La isla de Nantes, de 337 hectáreas, tiene la particularidad de encontrarse en el corazón del área metropolitana. Era sede de un gran polo industrial que entró en crisis y prácticamente dejó vacío un gran espacio que desde hace diez años está en un ambicioso proceso de rehabilitación, en particular con un proyecto llamado el “Barrio de la creación”. Éste pretende generar un centro de excelencia sobre las industrias creativas orientado a los estilos de vida, al eco-diseño y a la innovación. Bajo el modelo de los polos de competitividad, el clúster estará implicado tanto en el apoyo a la iniciativa empresarial creativa e innovadora como en el desarrollo de la educación superior y la investigación. También incluirá una componente de mediación cultural, científica y técnica para que el público pueda beneficiarse de los resultados de la investigación.  Dentro del área de la creatividad, La fabrique tiene un papel central al ser un equipamiento estructurante pluridisciplinario que tiene como misión permitir que se desarrollen en las mejores condiciones aquellos experimentos que representen una dinámica cultural innovadora. El proyecto fue fruto de una colaboración desde 2003 con los actores culturales de Nantes para responder de manera óptima a sus necesidades de creación y de producción. Es decir, La Fabrique es un lugar polivalente para la difusión de todas las formas de músicas amplificadas, creaciones multimedia y transdisciplinarias, con espacios de vida abiertos a todos, donde la creatividad de unos inspira a los otros con la visión de crear pasarelas entre arte y sociedad. Es administrado colectivamente por el Ayuntamiento de Nantes y doce asociaciones locales. Cinco de entre ellas participaron en particular a lo largo de la planeación: Apo33, Mire, Microfaune, Trempolino y Songo. Sin embargo, éstas no se imaginaron aisladas de los otros barrios y asociaciones de la ciudad, sino en red.

En cuanto a la filosofía del proyecto, el eje fuerte consiste en apoyar la creación, que debe “apropiarse” de los lugares, ya sea por medio de colaboraciones puntuales como por ensayos o residencias, mediante la experimentación, el empirismo así como la reflexión. También es previsto como un polo de formación que acompañe a artistas, técnicos, ingenieros e investigadores en el campo de las nuevas tecnologías en su desarrollo profesional, con talleres, conferencias, acciones de proximidad, redes, etc. y está dirigido del mismo modo hacia los públicos. Así, un centro de recursos generalista y especializado participará en su desarrollo. El ambiente será lúdico, pero también profesional, para nada elitista.

“Lo que fue construido por la colectividad debe ser utilizable por todos los actores de la vida cultural de Nantes, lo que es solamente una justa compensación”.

Se ha expresado el compromiso con la protección y la promoción de la diversidad de las expresiones culturales según el espíritu de la UNESCO y de la agenda 21 de la cultura.

Espacialmente, La Fabrique está conformada por dos edificios separados construidos sobre las viejas instalaciones industriales y portuarias. El proyecto es del arquitecto es Michel Bertreux. Se buscaba un confort discreto para una tecnología prodigiosa.

El edificio A, de aspecto “post-industrial” simboliza el espíritu de los astilleros. Corresponde principalmente a la asociación Stereolux. Cuenta con una sala de 1.200 lugares llamada MAXI, una sala modulable de 400 lugares llamada MICRO y un espacio de 100 lugares dedicado específicamente a show-cases llamado La PLACE (140 m2 para experimentación artística y exposiciones alrededor del sonido y el multimedia).

El edificio B representa un cubo metálico luminoso que da la impresión de estar colocado sobre un antiguo Blockhaus de la segunda guerra mundial. Corresponde a la asociación Trempolino. Cuenta con siete niveles en que hay un hall con un bar, un escenario para los show-cases y las performances, así como 16 estudios de ensayo, de formación y de grabación para los músicos y los artistas. Tiene también un jardín experimental. Se habla de un prodigioso laberinto de estudios y locales “sobre-equipados”, accesibles sin embargo con el pago de un abono muy poco oneroso (55€ al mes por estudio por 3 horas de ensayo semanal). De manera similar, para hacer accesible el centro cultural a los organizadores de conciertos más arriesgados (en el sentido artístico y de atracción de públicos), el Ayuntamiento ha previsto participar cubriendo los costes del personal técnico y de seguridad.

Naturalmente, al ser un espacio cultural nuevo en un espacio en rehabilitación, puede tenerse la impresión de que le falta todavía “un alma”, pero se irá rodando conforme pase el tiempo. Si algunas reticencias se dejan oír – “puesto que está inscrito en el ADN del rock estar en guerrilla contra el establishment” – lo que es claro es que “los rockeros de Nantes son niños consentidos”, como diría JD Beauvallet en un artículo.

El costo global de La Fabrique ha sido de €27,5 millones, con la financiación del Ayuntamiento de Nantes, del Área metropolitana de Nantes, del Consejo departamental, del Estado francés, del Consejo regional y de los Fondos europeos-Feder.

Para quienes entienden francés, les recomiendo ver este simpático vídeo de presentación del proyecto. La inauguración del centro fue acompañada de un variado programa de actividades durante todo un fin de semana.

En suma, la Fabrique viene a complementar y enriquecer la animada vida cultural ya desarrollada en este sector en Nantes, tanto en la propia isla con proyectos como L’île des machines, como en sus otros barrios, baste citar el nombre de un centro cultural tan confirmado como Le lieu unique, o Pannonica, o pensar en sus ochenta cafés-concerts, sus muchos organizadores independientes de conciertos en salas muy diversas como el Violon Dingue, el Ferrailleur, Au Chien Stupide… Sin embargo, una de las cuestiones que se deberá observar en los meses siguientes es la relación de los actores del “barrio de la creación” entre sí, ¿serán los contactos naturales o se requerirán pasarelas y puentes para fomentar las interacciones?

Cabe destacar que esta ciudad no entró en la competencia de ciudades francesas para el programa de las capitales europeas de la cultura correspondiente a Francia para el 2013, que ganó Marsella. Nantes decidió continuar su trayectoria con una planificación sólida. Por ello, Nantes nombró para sí a 2012 como “año de la cultura”. Desean mostrar que Nantes es un ejemplo de “ciudad creativa” donde el papel de la cultura participa plenamente de su visión de largo plazo. Se delinea ya como un faro al Oeste de Francia y una ciudad integrada a la cooperación (y ¡competencia!) entre ciudades europeas.

Post Data: Te recuerdo que del 24 al 26 de noviembre se desarrollarán en Madrid las IV Jornadas Ciudades Creativas organizadas por la Fundación Kreanta. Puedes descargar el programa final, inscribirte o seguir las conferencias vía streaming. También hay un blog con información muy interesante en torno a este tema. En twitter: @JornadasKreanta

¡Nos vemos en Madrid!

La place de la Culture dans les Open Days 2011

Sous le slogan « Investir dans l’avenir de l’Europe: les régions s’engagent en faveur d’une croissance intelligente, durable et inclusive », la Direction générale de la politique régionale de la Commission européenne et le Comité des Régions de l’Union européenne ont organisé conjointement pour la neuvième fois les « Open Days – semaine européenne des villes et régions », du 10 au 13 octobre 2011 à Bruxelles, lors d’une période particulièrement importante de discussion sur les propositions de la « politique de cohésion 2014-2020 » qui venaient d’être publiées juste quelques jours avant.

Je faisais partie des 5.700 participants qui se sont rendus à Bruxelles pour un programme composé de 110 ateliers organisés autour de trois priorités thématiques : « Europe 2020 », « Une mise en œuvre plus efficace (better delivery) » et « aspects géographiques (geography matters) ». Le public était formé par des membres du CdR, des députés européens, d’autres élus, des experts et des praticiens de la politique régionale, des universitaires, des acteurs du monde de l’entreprise, des représentants des institutions de l’UE et des organisations de la société civile, entre autres.

Je me suis particulièrement intéressé aux ateliers dont le contenu était lié au secteur culturel et créatif (essentiellement 4 ateliers) ainsi qu’à d’autres traitant le thème du développement régional. Ici, je vais me référer essentiellement aux 3 ateliers suivants :

(1) Les Capitales européennes de la culture stimulent les industries culturelles et créatives

(2) Les industries culturelles et créatives : innovation et stratégies de spécialisation intelligente (smart specialisation strategies)

(3) Collectivités territoriales pour le patrimoine (historique et culturel) et pour le développement durable

Malheureusement, l’horaire de deux ateliers coïncidait et je n’ai pas pu participer à « Villes et régions créatives pour une Europe innovante ».

Les Capitales européennes de la culture stimulent les industries culturelles et créatives (mardi 11 octobre, 11h15-13h)

Modérateur de l'atelier sur les CECs et les ICCs

Dans le cadre des Open Days 2011, il n’est pas surprenant que l’un des axes pour aborder le thème des Capitales européennes de la Culture (CECs) soit l’impulsion donnée aux ICCs dans les programmes de certaines CECs invitées:

◦ pour l’année dernière, Essen - Ruhr 2010 (Allemagne)

◦ pour l’année en cours, Tallinn 2011 (Estonie) et Turku 2011 (Finlande), et

◦ pour les prochaines années, Maribor 2012 (Slovénie), Košice 2013 (Slovaquie) et Umeå 2014 (Suède).

Bernd Fesel, représentant du “Centre européen pour l’économie créative“, a rappelé, par rapport au programme de « Essen Ruhr 2010 », que leur démarche était basée sur un débat critique sur les thèses de Richard Florida dans le domaine des villes créatives. A Essen et dans la Ruhr une stratégie appelée « Creative.quarters Ruhr » a été développée et consistait en un processus participatif avec les acteurs culturels de la ville et de sa région et les parties prenantes pour la rénovation et la transformation de diverses installations industrielles qui abondent dans la région, en intégrant des stratégies durables qui favorisent les interactions interdisciplinaires, avec un accent sur le moyen et long terme (par opposition à d’autres actions ponctuelles uniques pendant l’année de la capitale). Il a également souligné le rôle de la communication et du networking avec les ICCs de villes comme Shanghai, Rotterdam, Košice, Rome et Londres. Enfin, il a donné un exemple très concret à travers le Dortmunder U, complexe culturel ambitieux qui comprend plusieurs institutions et entreprises culturelles et créatives et qui vise à renforcer les synergies entre toutes ces composantes.

Le représentant de Tallinn 2011, Toomas Vitsuit, avec une approche plus politique, a souligné la nécessité d’une plus grande coopération dans ce domaine entre les CECs et a révélé qu’une déclaration solennelle sera diffusée à la suite de l’expérience de cette année.

Mme Cay Sevón, représentante de Turku 2011, a rappelé qu’un bon indicateur d’une économie dynamique est le nombre d’employés liés au secteur culturel, directement ou indirectement. Cette année, outre la création d’un nouveau centre culturel – le LOGOMO - avec un investissement important du secteur privé (plus encore que celui de la ville elle-même), Mme Sevón a souligné le fait que les universités ont développé une relation étroite avec le programme de la capitale européenne de la culture, à travers 5 thèses de doctorat et 20 thèses de maîtrise sur des questions du développement et de l’impact du programme. Elle a également insisté sur le fait qu’ils ont abordé la relation entre la culture et la santé ainsi que la culture et le bien-être personnel en tant que composantes du programme.

La représentante de Maribor 2012, Lilijana Stepančič, a reconnu que dans la conception initiale du programme étaient prévus le renouvellement de chaque espace culturel de la ville et la promotion de leur utilisation pour des activités liées à la créativité. La crise économique a empêché la mise en œuvre de cette volonté et l’accent devait changer bien évidemment. Alors que Maribor a déjà un développement culturel à fort potentiel, le sujet des ICCs n’était pas dans le cœur du programme, mais leur intérêt a été reconnu, de sorte que diverses expositions et conférences aborderont ces concepts et serviront de plate-forme pour les développements futurs au-delà de 2012.

Pour 2013, le représentant de Košice, Michal Hladky, a renvoyé aux réflexions de Richard Florida sur les trois T: technologie, talent et tolérance. En fait, il est possible de constater que le programme a déjà un vocabulaire lié à une certaine vision de l’innovation et de la créativité, le programme s’appelle clairement «Košice Interface 2013», la culture est « le programme », le citoyen est « l’utilisateur » et la ville « l’interface ». Il a également mentionné la relation avec l’université, les centres culturels, les résidences artistiques (Kasarne / Kulturpark) et les « pépinières » créatives, soulignant les points forts et les enjeux dans la ville: les arts visuels et les nouvelles technologies, la musique, le cinéma et les documentaires, la vie urbaine… La démarche va au-delà de la ville elle-même, impliquant sa région (Pentapolitana, en Slovaquie orientale), la ville de Prešov avec laquelle ils ont un partenariat. Ils prêtent aussi une attention particulière aux pays voisins qui sont en dehors de l’espace Schengen. Enfin, l’intervenant a mentionné un exemple de la liaison avec la communauté locale pour promouvoir le programme : en raison des changements technologiques liés au chauffage urbain, un certain nombre de bâtiments sont devenus obsolètes. Le programme a sélectionné des bâtiments dans cinq arrondissements afin de les transformer en centres culturels communautaires.

La dernière CEC représentée était Umeå 2014 (Suède), probablement l’intervention qui répondait le mieux au thème de l’atelier. Mme Anna Olofsson s’est penchée sur la façon dont sa ville assure la promotion de l’entrepreneuriat, la créativité et l’innovation, dans le cadre – et en dehors – du programme de la future capitale. Umeå est une ville moyenne dans le nord de la Suède, avec une population d’environ 150.000 habitants. Elle dispose de deux universités et d’une jeune population. Mme Olofsson a déclaré que dans sa ville on préfère parler d’individus (entrepreneurs) plutôt que d’industries et que l’accent est mis sur la formation dans ce domaine depuis l’école, à travers un programme couronné de succès appelé « jeunes entrepreneurs » et qui permet à ceux qui souhaitent s’orienter dans le domaine des entreprises créatives de bénéficier de l’aide des pépinières d’entreprises qui encouragent l’auto-emploi et la création. Par ailleurs, on favorise la génération d’une atmosphère créative dans la ville dans ses lieux culturels, commerces, bâtiments… ainsi que la promotion du travail en réseau et la diffusion de l’information sur les sources de financement pour les projets. Un aspect important de l’orientation fournie par la politique de la ville est celui d’enseigner aux entrepreneurs créatifs comment améliorer la rentabilité de leurs entreprises sur le long terme, de manière durable, et faire émerger des modèles d’affaires efficaces qui puissent inspirer les autres (enabling strategies / stratégies qualifiantes).

En plus de ces intervenants, un espace a été ouvert à un représentant de la région de Perm (Russie) qui a dévoilé la dynamique de création qu’est en train d’adopter la région et sa capitale afin d’être un modèle dans le domaine culturel – cela a aussi déjà été présenté par le New York Times – à travers la sensibilisation et la coopération internationale (signature de l’Agenda 21 de la culture, future adhésion au réseau Eurocities…).

Les industries culturelles et créatives : innovation et stratégies de spécialisation intelligente (smart specialisation strategies S³) (mardi 11 octobre, 14h30-17h)

Atelier sur les ICCs et les S3

Animé par Xavier Troussard, Chef de l’Unité « Politiques culturelles, diversité et dialogue interculturel », le séminaire a comporté cinq exposés sur la relation entre les ICCs et les stratégies de spécialisation intelligente. Le fondement de cette analyse se trouve dans la communication « La contribution de la politique régionale à une croissance intelligente dans le cadre de la stratégie ‘Europe 2020’ » qui indique que « les industries culturelles et créatives, qui se développent au niveau local et régional, occupent une position stratégique pour relier la créativité à l’innovation. Elles peuvent contribuer à stimuler les économies locales, encourager de nouvelles activités, créer des emplois nouveaux et durables, avoir des retombées significatives sur d’autres industries et accroître l’attractivité des régions et des villes ». Elles ont donc un rôle important à jouer dans l’analyse et la mise en place des stratégies de spécialisation intelligente. Chaque intervention a été très précise et je préfère vous référer aux présentations qui se trouvent sur le site web des Open Days à partir des liens suivants. D’abord, Mme Luisa Sanches, analyste de politique sur l’innovation à la Commission européenne, a proposé un cadre conceptuel sur les stratégies de spécialisation intelligente (S³). Elle a signalé qu’il n’était pas question de « spécialisation » en termes de concurrence entre les régions, mais de diversification de technologies spécialisées et de fertilisations croisées entre secteurs. Elle a présenté un schéma sur les grands clusters au Danemark où la relation entre les industries de « l’expérience », la mode et le design apparaît clairement. Par ailleurs, une plate-forme sur les S³ a été constituée qui mettra en relation les régions européennes, les centres de recherche universitaires (comme l’Université de Séville), les unités de la Commission européenne et autres parties prenantes dans la stratégie. Pour l’instant, la communication sur ce sujet est en préparation en même temps que l’évolution du projet est peaufinée. Ensuite, Mme Sylvia Ammann, Directrice de « Inforelais » et représentant la collectivité territoriale allemande du Landkreis Lüchow-Dannenberg, a présenté un exemple concret de mise en réseau des ICCs dans leur territoire, ce qui leur a permis de développer un projet européen d’échanges d’information et de réflexion sur les politiques en faveur des ICCs, financé en partie par le programme INTERREG IVC. Par ailleurs, M. Ragnar Siil, sous-secrétaire d’État du Ministère de la Culture d’Estonie, a pour sa part abordé la question de manière plus politique, en citant notamment un manuel de politiques qui identifie, compare et modélise de bonnes pratiques dans le domaine des ICCs. Il s’agit de l’objectif d’un groupe de travail dont il est président dans le cadre de la méthode ouverte de coordination employée pour un dialogue structuré avec la Direction Générale Éducation et Culture et qui cherche à promouvoir la création des conditions nécessaires pour le développement des ICCs, pour leur consolidation et pour mettre en évidence leurs résultats positifs dans d’autres domaines de l’économie. En outre, Mme Claire Nauwelaers a réalisé une intervention détaillée sur l’apprentissage tiré du travail sur l’innovation dans le cadre de l’OCDE. Enfin, M. Mike Coyne, du Centre pour les services de stratégie et d’évaluation, a cité le travail de Dominique Foray et du groupe d’experts sur « la connaissance pour la croissance » en matière d’innovation et du processus de découverte. Il a aussi parlé des thèses de Richard Florida sur l’attractivité des régions à travers la promotion de la créativité et la stimulation des consommateurs sophistiqués et exigeants. Il a aussi cité le besoin de considérer des préoccupations sociales et environnementales (énergie, recyclage, biotechnologies, vieillissement de la population et santé publique). Il faut en effet changer les habitudes, promouvoir la participation des habitants et leur ouverture aux solutions innovantes.

Collectivités territoriales pour le patrimoine (historique et culturel) et pour le développement durable (mercredi 12 octobre, 14h30-17h)

L’atelier visait l’échange d’idées et de pratiques exemplaires, mettant l’accent sur le potentiel exploité et non exploité du rôle des acteurs publics et privés dans la relation entre culture et patrimoine historique par rapport au paradigme du développement économique durable. Pour les organisateurs de cet atelier, la considération de deux facteurs (diversité territoriale et diversité du patrimoine) peut servir de base pour l’approfondissement de l’analyse : les statistiques montrent que l’Europe concentre la majorité des sites du patrimoine mondial listés par l’UNESCO et ceux-ci sont néanmoins situés dans des territoires très différents. Cette réflexion fonde la mission de leur « conglomérat »  d’autorités locales européennes réunies avec l’ambition de peser davantage dans les décisions prises à Bruxelles sur les subventions pour les projets culturels liés à la conservation et à la valorisation du patrimoine de leurs territoires. Les membres représentent essentiellement le niveau municipal, de taille moyenne, certains sont périphériques, mais d’autres interviennent au niveau régional comme la Région de la Vénétie. Les dix présentations étaient assez hétérogènes, reflétant les différentes approches des membres, certains plus axés sur la défense politique de l’importance du patrimoine en tant qu’élément d’identité et de croissance économique, et d’autres sur la promotion touristique. Les participants provenaient d’Italie (région de la Vénétie, région de Toscane), du Portugal (Guimarães 2012), d’Espagne (Province d’Orense), de Serbie (Sumadija District), de Malte, de Slovaquie (région de Trencin), de Lettonie (Valmiera Ville), de Pologne (Région d’Opolskie) et d’Estonie (Saaremaa). On peut dire que leurs activités en tant que réseau sont au stade de gestation. Le modérateur a réitéré son intérêt pour la création d’une «efficacité collective» grâce au partage de leurs expériences.

Quant à l’atelier 4 « Villes et régions créatives pour une Europe innovante », auquel je n’ai pas pu participer, son objectif était de montrer comment les villes et les régions créatives mettent l’innovation et la culture au centre de leur travail. En apportant le progrès dans tous les domaines – économique, social et culturel – les villes et les régions améliorent leur attractivité et la qualité de vie des habitants et promeuvent la compétitivité. Elles génèrent des dynamiques créatives qui animent l’économie fondée sur la connaissance, la croissance économique et la revitalisation sociale. Dans le cadre de la stratégie de l’Europe 2020, il faut identifier de nouvelles voies pour que les activités innovantes liées à l’économie créative puissent enrichir un territoire. Le rôle de l’art et de la culture en relation avec la créativité, l’innovation et la compétitivité sur un territoire a été expliqué dans le cadre de cet atelier. Une présentation sur la région polonaise de Wielpolska est disponible.

Après ces journées, une pensée personnelle s’est solidement confirmée : si nous devions déceler pour les prochaines années la priorité dans le domaine des politiques culturelles promues au niveau des autorités de l’Union européenne, ce serait l’accent mis sur la relation entre la culture, l’innovation et la créativité, et ce en soulignant notamment le thème des « industries culturelles et créatives » (ICCs). Cette orientation est fondée en partie sur la reconnaissance de la contribution de la culture à l’économie et à la croissance économique dont la démonstration et la défense ont occupé de nombreux forums, des réunions et des formations au cours des dix dernières années. La tendance a été confirmée en particulier depuis que 2009 a été proclamée « année européenne de la créativité et de l’innovation » par initiative de la Commission européenne (Direction générale Education et Culture). Dans le cadre de cette année a été élaboré et publié le «Livre vert – Libérer le potentiel des industries culturelles et créatives ». Actuellement, il semble que le nouveau programme dédié à la culture pour la période de programmation 2014-2020 comportera des éléments du programme « Culture », « Media » et « Media Mundus » dans un programme intégral qui donnera un rôle central – presque hégémonique – à l’innovation et les ICCs. Ces tendances ont été au cœur du programme des journées « European Culture Forum », organisées par la Direction Générale Education et Culture.

Atelier Collectivités territoriales pour le patrimoine et le développement durable

Forum Européen de la Culture  2011

Le « Forum européen de la Culture » a été organisé par la Direction Education et Culture de la Commission européenne et a eu lieu les 20 et 21 octobre 2011 à Bruxelles. Je faisais partie des 800 participants inscrits issus du monde des organisations artistiques et culturelles européennes, experts et praticiens des politiques culturelles, représentants de fondations, porteurs de projets, universitaires, représentants des institutions de l’UE, des organisations de la société civile, des industries culturelles et créatives, entre autres. L’inscription a été ouverte en juillet 2011 et les participants ont été invités en septembre à compléter un questionnaire afin de signaler les thèmes qui les intéressaient en particulier. Le programme a été composé par 4 séances plénières et 4 séances informatives (avec des ateliers simultanés). Les présentations et les résumés sont disponibles sur la page du site internet de la Commission européenne – Culture. Pour accompagner le programme, un concert de l’Orchestre de chambre d’Europe a été offert afin de fêter le 30^e anniversaire de cet ensemble musical soutenu par l’UE.

Il me semble nécessaire de rendre compte de certaines inquiétudes et postures tacites des organisateurs et des participants.

« La contribution de la culture à l’économie : un long débat fatigant »

Malgré des présentations qui mettaient en valeur l’importance de la culture et sa contribution aux diverses facettes de la vie des habitants de l’Union européenne, il a été rappelé par Rudolf Niessler, représentant de la Politique Régionale de la Commission européenne, que pour fonder la demande d’un budget plus important pour la culture, il faut des preuves concrètes de sa contribution économique. Alors que quelques minutes avant, le Professeur Pirluigi Sacco venait de présenter clairement l’état des recherches en cours sur les effets indirects ou ‘invisibles’ de la culture! Il y avait eu aussi la question de Ilona Kish, qui semblait un peu découragée : « Pourquoi est-il encore difficile de convaincre ceux en dehors du secteur culturel ? ». Cela a montré encore une fois des contradictions flagrantes par rapport à des déclarations d’autres personnes et des documents de la propre Direction de la politique régionale. Et en même temps, c’était un témoignage du manque de mémoire sur l’analyse et les recherches qui ont été faites par et pour la Commission européenne dans ce domaine, il suffit de citer les deux dernières études : « La contribution de la culture au développement local et régional – les fonds structurels » étude réalisée en 2010 par le Centre pour les services de stratégie et d’évaluation (CSES) et ERICArts et « L’économie de la culture en Europe », étude réalisée en 2009 par KEA European Affairs, en collaboration avec Media Group (Turku School of Economics) et MKW Wirtschaftsforschung GmbH.

« La tour d’ivoire »

Considérons maintenant ma deuxième question de préoccupation. En cette période de grande incertitude, en vue des éléments à ma disposition en tant que citoyen et en tant qu’acteur dans le secteur culturel, la situation est comme si nous allions en bateau à travers une zone de brouillard intense, sans savoir s’il y a des icebergs, ou même, sans savoir s’il y a déjà eu une collision avec l’un de ces icebergs. Toutefois, lors de la conférence, on semblait naviguer dans des eaux calmes et sous un ciel clair. Je veux dire que la crise actuelle n’a pas reçu la place qu’elle méritait dans les réflexions. Honnêtement, j’ai senti qu’il n’y avait aucune prise de conscience de la situation économique traversée par l’Union européenne. Il n’y a presque pas eu de commentaires sur les contraintes budgétaires. Aucune voix ne s’est élevée pour demander que le futur programme « Europe créative » prenne en compte la crise et ses effets déjà perceptibles aujourd’hui. Peu de gens semblaient penser aux manifestations « monstre » qui avaient lieu à Athènes ces jours-là ou les mouvements des « indignés » qui se propagent à travers le monde …

Public, es-tu là ?

Compte tenu de ces deux situations, on aurait pu s’attendre à une dynamique plus active, plus questionnante, moins passive… Je ne pense pas que c’était une question de manque de temps. Les questions et commentaires ont été peu nombreux et les participants manquaient de vitalité. Le ton politiquement correct a prévalu. Le public était-il en quelque sorte fatigué « des mêmes discours» ? Avaient-ils peur de générer des controverses ? Est-ce qu’il est difficile de discuter avec les autorités de la Commission européenne car d’une certaine manière elles représentent la source des financements pour les projets européens ? Je suppose qu’il y avait un peu de tout, y compris la timidité habituelle à intervenir en présence de 800 collègues, la fatigue après plusieurs présentations, ou la faim … mais les sandwichs froids pouvaient attendre…

Et pourtant elle tourne …

Bien sûr, je suis plus que convaincu de l’utilité des conférences de cette nature, car elles réunissent un large éventail de représentants de la culture en Europe et au-delà. De nombreux contacts peuvent être établis à partir des discussions formelles ou informelles, avec des effets directs et indirects qui sont précieux et qui participent à l’intégration européenne et au développement culturel à l’intérieur et en dehors de son territoire.

Nous ne devons pas oublier ce qui se passe dans d’autres contextes, et il a été très positif de citer le cas de la Biélorussie, où les droits humains sont systématiquement bafoués, comme Natalia Kali l’a exposé.

Dans deux ans, si le Forum Européen de la Culture est toujours organisé, j’espère qu’il y aura une plus grande possibilité d’interaction entre les participants, en s’appuyant sur les TICs, et que les points indiqués par les participants dans le questionnaire préalable seront pris en considération plus efficacement.

Concierto de la Orquesta de Cámara de Europa

Más allá de la reseña…

La semana que ha transcurrido desde el fin de las jornadas del European Culture Forum (21 y 22 de octubre pasados) me ha permitido hacer un balance personal de lo ocurrido durante esos dos días de ponencias, diálogos, encuentros, reencuentros e incluso algunos desencuentros – en el plano de las ideas, no con personas concretas.

¡Y es que no solamente puede preocupar lo malo que son los sándwiches! Humor… a medias: son exactamente iguales en cada edición y no sé por qué no los han cambiado si la vez pasada en el feed back para los organizadores me consta que se pedía un cambio… Pero, ya pasando a aspectos serios, no es lo único que parecería que no ha cambiado desde septiembre de 2009. Me enfocaré hacia tres puntos un poco inquietantes.

La necesidad permanente de probar la contribución de la cultura a la economía y a otros campos del bienestar de la persona y la sociedad

En este foro, como en muchos otros, variados ejemplos han demostrado directa o indirectamente los efectos positivos de la cultura. Con un público participante de la naturaleza de los inscritos a estas jornadas (digamos 99 % relacionado con cultura y educación), el tema se vuelve incluso repetitivo – hasta cansado – porque es como “predicar para los convertidos” (preach to the choir). No es sorprendente que el director egipcio Ahmed El Attar haya iniciado su presentación preguntando “¿por qué todavía seguimos discutiendo sobre la importancia de la cultura?… ¡como si no fuera obvia!”. También estuvo el cuestionamiento de Ilona Kish, que parecía un poco desanimada: “¿por qué es todavía difícil convencer a los que no pertenecen al sector cultural?”.  Peor todavía después de una notable e imaginativa presentación del Dr. Pierluigi Sacco que se ha concentrado en señalar los caminos que han tomado las investigaciones actuales para hacer patentes científicamente los efectos “invisibles” y/o “indirectos” de la Cultura 3.0 en que comenzamos a navegar. Y podría seguir comentando los casos precisos citados en estas jornadas… A pesar de ello, Rudolf Niessler, Director de la coordinación de política regional de la Comisión Europea, sentenció que el sector cultural “¡debe mostrar pruebas concretas de la contribución de la cultura a la economía!” Lo que fue como si no hubiera escuchado nada de lo anteriormente presentado en su panel. Es cierto que no estuvo presente el día previo y que los representantes de la DG de Cultura le habrían podido informar del contenido (no sé si lo hicieron). Sin embargo, esto va claramente más lejos, ¡muestra que sigue no habiendo comunicación entre las direcciones de la Comisión Europea en estos temas! Muestra también contradicciones flagrantes con respecto a declaraciones de otras personas y documentos de la misma Dirección de política regional. Y al mismo tiempo, es un testimonio de falta de memoria de los análisis y estudios que se ha realizado por y para la Comisión Europea en este campo. Un simple recordatorio, para nada exhaustivo:

• 2010: “La contribución de la cultura al desarrollo local y regional – evidencia a partir de los fondos estructurales” estudio realizado por el Centro de estrategia y servicios de evaluación (CSES) y ERICARTS
• 2009 : La economía de la cultura en Europa. Estudio llevado a cabo por KEA European Affairs, con la colaboración de Media Group (Turku School of Economics) y MKW Wirtschaftsforschung GmbH
• 2007: Comunicación sobre una Agenda Europea para la Cultura en un mundo en vías de globalización: “También se acepta que la cultura es un aspecto imprescindible para lograr los objetivos comunitarios estratégicos de prosperidad, solidaridad y seguridad, asegurando al mismo tiempo una mayor presencia en la escena internacional » (p.3)
• 1996: Comisión de las Comunidades Europeas, Comunicación de la Comisión al Consejo, al Parlamento Europeo, al Comité Económico y Social y al Comité de las Regiones, “La política de cohesión y la cultura – una contribución al empleo”, Bruselas, 20.11.1996, COM (96) 512 final
• 1996: Comisión Europea, “Primer informe sobre el examen de los aspectos culturales en la labor de la Comunidad Europea”, Bruselas, 17 de abril 1996 COM (1996) 160 final
• 1995: Resolución del Consejo de 20 de noviembre de 1995 sobre la promoción de las estadísticas sobre la cultura y el crecimiento económico (95/C 327/01)

En fin, lo que sí creo que compartimos con el Sr. Niessler los que estábamos presentes es la importancia de entender la contribución de la cultura de manera transversal en los objetivos de la política regional, y de hecho ya hubo una comunicación comunitaria en que se señala que siempre en toda acción comunitaria se debe considerar su componente cultural. Por lo visto, este tema no está cerrado.

La torre de marfil

Consideremos ahora mi segundo tema de inquietud. En este periodo de mucha incertidumbre, por los elementos de los que dispongo como ciudadano y como actor del sector cultural, la situación es como si fuéramos por barco pasando un área de neblina intensa, sin saber si hay icebergs, o incluso, sin saber si ya ha habido una colisión con alguno. Sin embargo, durante la conferencia hubiera parecido que navegábamos por aguas tranquilas y con cielo despejado. Me refiero a que no se dio a la crisis actual el lugar que merece en las reflexiones. Sinceramente, tuve la sensación de que no había la conciencia de la situación económica por la que pasa la Unión Europea. A penas se mencionó en algún momento una frase sobre las restricciones en los presupuestos. Aunque sí se notó una evolución en los temas tratados con respecto a la edición anterior, concentrándose en la digitalización, la formación del sector cultural en un marco de digitalización y globalización, en las “inversiones inteligentes” en cultura y el rol de los actores culturales en los procesos de democratización, es claro que no se invocó el nuevo contexto financiero de los estados y las administraciones locales y regionales que en Europa soportan esencialmente los proyectos culturales. Ninguna voz se alzó para solicitar que el futuro programa “Europa creativa” considere la crisis y sus efectos ya notables hoy en día. Pocos pensaron en las manifestaciones “monstruo” que tenían lugar en Atenas esos días o los movimientos de “indignados” que se esparcen por el mundo…

Público, ¿estás ahí?

Dadas ambas situaciones, se hubiera podido esperar una dinámica de participación más activa, más cuestionante, menos pasiva… Me parece que no faltó tiempo, se consideró suficiente espacio de palabra en lo que a los paneles se refiere. Aún así, las preguntas y los comentarios fueron escasos, faltos de vitalidad. Ganó el tono políticamente correcto. ¿Estaba el público de alguna manera cansado de “los mismos discursos”? ¿Se tenía cierto temor de generar una controversia? ¿Es difícil discutir con las autoridades de la DG Educación y Cultura porque de cierta manera representa a quien otorga los fondos para los proyectos europeos? Imagino que un poco de todo, además de la usual timidez de enfrentarse a 800 colegas, la fatiga después de varias presentaciones, o el hambre… ¡pero de todas formas los sándwiches fríos esperaban! Cabe señalar que la sesión de información sobre el Programa “Europa Creativa” se organizó en torno a preguntas del público, porque “la presentación” fue muy corta y general. Las respuestas fueron también vagas e imprecisas. Estoy seguro que Laurent Dréano, Director de Cultura de la ciudad de Lille no quedó satisfecho con la respuesta a su pregunta sobre la eventual interacción simultánea de programas europeos para un mismo proyecto. Este funcionamiento debió desalentar a más de uno.

Un poco relacionado con este tema, como anécdota de la transición al uso de las “nuevas” tecnologías en el European Culture Forum: ¡no es posible que una conferencia de este nivel se realice en instalaciones que no tengan manera de conectarse a internet fácilmente, sobre todo para los no residentes en Bélgica! Fueron pocos los “twitteros” en directo. Colmo de gracia, los organizadores tardaron en decidir qué hashtag se usaría porque había varios en uso y los “twitteros” no se ponían de acuerdo…

Y sin embargo se mueve…

Por supuesto, estoy más que convencido de la utilidad de conferencias de esta naturaleza porque reúnen a una gran diversidad de representantes del mundo de la cultura de Europa y más allá. Los contactos que se pueden establecer a partir de conversaciones formales o informales tienen efectos directos e indirectos que son muy valiosos, participando concretamente en la construcción europea y el desarrollo cultural dentro y fuera de su territorio. No debemos olvidar lo que sucede en otros contextos, baste citar el caso de Bielorrusia donde son mancillados cotidianamente los derechos humanos, como lo expuso Natalia Kaliada. Además, muchas ponencias tienen un carácter formativo.

Dentro de dos años, si el European Culture Forum se sigue organizando, espero que habrá una mayor posibilidad de interacción entre los participantes, aprovechando los aportes de las TICs, y que los puntos indicados por los participantes en el cuestionario de inscripción serán tomados en consideración de manera más efectiva.

Mis próximas notas van a abordar temas específicos que me han parecido relevantes a partir de mi participación a los Open Days y al Foro Europeo de Cultura. Con respecto a las ciudades creativas y las Capitales europeas de la Cultura, me detendré un poco en un centro cultural finlandés que tiene un papel central en el programa de Turku 2011: Logomo. También comentaré sobre el programa de Mons 2015 y su relación con las TICs en el marco de su desarrollo cultural territorial. Veremos además en qué etapa se encuentra la campaña “We are More”. Más tarde, me concentraré en el tema de las ICCs y de la cultura con respecto a las “estrategias de especialización inteligente” (smart specialisation strategies) que promueve la Comisión Europea. Siempre dejando un lugar a la flexibilidad para tratar otros temas que puedan surgir entre tanto.

Sesión de clausura. Jan Truszczynski. DG Educación y Cultura. Comisión Europea

La segunda jornada del “European Culture Forum”, el viernes 21 de octubre de 2011,  contó con un enfoque más abierto que la primera – que había estado ligada esencialmente al tema de la digitalización y de las industrias culturales y creativas – y consistió en dos sesiones plenarias, dos sesiones paralelas de espacios informativos y un mensaje de clausura. Esta nota presenta una breve reseña de las presentaciones de ese día y completa las dos anteriores (1/4 y 2/4) que he dedicado a este Fórum en que participé, mientras que la nota siguiente (4/4) incluirá algunos puntos críticos que han llamado mi atención con respecto al contenido y el desarrollo de la conferencia.

Panel 3 – La Cultura, ¿una inversión inteligente para las regiones europeas?

Los puntos de partida en el programa indicaban: “El papel crucial  de la cultura y de las industrias creativas en el desarrollo económico y social a nivel local y regional es cada vez más reconocido. Sin embargo, las complejas relaciones entre los activos culturales tradicionales (patrimonio, instituciones culturales dinámicas y servicios) y el desarrollo de negocios creativos o de turismo requieren todavía una mejor comprensión. ¿Cuáles son las inversiones fundamentales a nivel local y regional que pueden contribuir a los ‘ecosistemas creativos’? ¿Cómo se puede ayudar a las regiones para que hagan inversiones inteligentes (smart investments) en la cultura?” (Mi traducción).

La presentación “Carte blanche” de este panel fue dada al alcalde de Wroclaw, la ciudad polaca que ha sido designada Capital europea de la Cultura 2016 junto con Donostia / San Sebastián en España. Rafał Dutkiewicz comenzó con un aspecto esencial para comprender su ciudad milenaria: el legado de los numerosos cambios de fronteras en torno a ella. En particular, hasta antes del final de la Segunda Guerra Mundial, se llamaba Breslau y formaba parte de Alemania. En 1945, por los acuerdos de Postdam, la ciudad y su región fueron incluidos en el territorio de Polonia y sus habitantes alemanes fueron integralmente deportados hacia Alemania y remplazados por polacos (se habla de un millón de personas). De esta manera, la identidad de la ciudad es muy compleja. El alcalde citó una frase de una carta célebre escrita por los obispos polacos a los obispos de Alemania en 1965 como base de una reconciliación entre ambas naciones: “Los perdonamos y les pedimos perdonarnos” (We forgive you and we ask to be forgiven). Han retomado esta base para su programa de la capitalidad 2016 y se han propuesto alcanzar tres metas: (1) Subrayar el mensaje de la tolerancia; (2) Mejorar y completar la infraestructura cultural; (3) Lograr que la gente participe en la cultura tanto activa como pasivamente (“creando” y “consumiendo”). El alcalde declaró que la cultura es una inversión para la economía y si su ciudad deseaba continuar con el fuerte crecimiento económico y bajo desempleo que tiene, deberá apoyarse en la cultura. Mencionó a Richard Florida y sus tres T (talento, tecnología y tolerancia) agregando la I de identidad para su ciudad. Está convencido que la cultura hará más feliz a la población, en una ciudad creativa y abierta caracterizada por la innovación y el crecimiento económico.

El panel continuó con una presentación sobresaliente del Dr. Pierluigi Sacco, Decano de la Facultad de Artes, Mercados y Patrimonio de la Universidad IULM de Milán, intitulada “La cultura para un crecimiento inteligente: los canales fuera del Mercado” basada en su artículo de fondo “Culture 3.0: A new perspective for the EU 2014-2020 structural funds programming”. La cultura es más que un sector amplio e importante de la economía, se trata de un “software social” que es muy necesario para gestionar la complejidad de las sociedades y de las economías contemporáneas en todas sus múltiples implicaciones. Es bastante probable que a nivel macroeconómico el total de los efectos indirectos de la participación cultural sea mucho más grande que el total – ya de por sí notable – de los efectos directos. Una vez que seamos capaces de medir los efectos indirectos de la cultura en las diferentes dimensiones (‘capitalizar’ la cultura), será posible llevar a la política cultural a las primeras prioridades de la agenda política. Estos efectos son aún más reforzados por el crecimiento de las industrias culturales y creativas, pero sólo en cuanto tal crecimiento sea lo más incluyente y participativo posible. El Dr. Sacco destacó la transición de la Cultura 1.0 (pre-industrial), pasando por la Cultura 2.0 (industria cultural) hacia la Cultura 3.0 (comunidades de prácticas y no sólo mercados). Para su análisis, observa ocho de los efectos indirectos de la producción cultural (y la participación): innovación, bienestar, sostenibilidad, cohesión social, nuevo espíritu empresarial, poder blando (soft power), identidad local y la economía del conocimiento. La cultura es una plataforma de pre-innovación, estimula las capacidades de las personas en términos de sus actitudes hacia lo desconocido o no-experimentado. En cuanto al bienestar, el Dr. Sacco presenta los resultados de unos estudios científicos que relacionan la participación cultural y el bienestar psicológico, por un lado, y la esperanza de vida, por otro lado. Ejemplifica con el caso de la asistencia a los conciertos de música clásica o del teatro. Curiosamente, ¡la poesía tiene un efecto negativo! Independientemente de este último detalle que van a estudiar, la participación cultural parece tener un efecto positivo en la salud y si ello se confirma, la cultura tiene una base sólida para su financiación debido a la reducción que aporta a los gastos de seguridad social. También se está demostrando que la participación cultural tiene una correlación positiva con respecto a la sustentabilidad, por ejemplo al medirla en relación con el reciclaje.  Es decir que entender los efectos indirectos de la cultura tiene una importancia mayor en la concientización de los financieros sobre el necesario apoyo al sector cultural.

En un plano práctico, Christer Gustafsson, director de los museos regionales y patrimonio de Halland en Suecia, presentó su enfoque que pasó de la “protección a la pro-acción” con respecto al patrimonio y las CCIs en una estrategia de planeación regional.

El Director de Artes del British Council, Graham Sheffield, recordó que en los disturbios de los meses pasados en Inglaterra, en un barrio conmocionado, la casa de la cultura no fue atacada y en parte se debió a la defensa de la comunidad, muestra de que la participación ciudadana tiene sentido ya que se apropia de la institución cultural. También señaló que en la planeación del desarrollo de los distritos financieros del área metropolitana de Londres se consideró a la cultura ya que las artes y la cultura atraen inversión a la ciudad, y esto se ve en otras ciudades como Liverpool, Manchester, Gateshead, entre otras. A nivel nacional, países como Estonia o China están invirtiendo seriamente en las ICCs. En Nigeria se está comenzando a invertir mucho en la educación y la formación profesional. Para Sheffield, la evidencia está ahí, claramente, hay inversiones inteligentes, pero no hay suficientes “cerebros inteligentes” en el gobierno para entenderlo. Los efectos positivos son visibles.

Para responder a los ponentes, dos invitados muy distintos. Por un lado, la Secretaria General de la red “Culture Action Europe”, Ilona Kish, comenzó preguntándose por qué es todavía difícil convencer a los que no pertenecen al sector cultural. Subrayó que es necesario actuar de manera distinta, como se está haciendo a través de la campaña “We are more”. En cambio, Rudolf Niessler, Director de la coordinación de política regional de la Comisión Europea, expresa su posición en la que es necesario tener una perspectiva más amplia, no hablando de sectores, más bien de objetivos transversales en los que la cultura tiene un papel (inclusión social, estrategias de especialización inteligente…). Sorprendentemente (quizás no tanto, pero ya lo explicaré en otra nota), Niessler sentenció que es necesario mostrar pruebas concretas de la contribución de la cultura a la economía, sobre todo ahora que hay restricciones de presupuesto en un marco de la crisis.

Chris Torch, desde el público, recordó un ejemplo en que se ha invertido en cultura a pesar de la crisis, en la región de Puglia, donde muchos edificios (40) se están convirtiendo en un nuevo modelo de complejos culturales (incubadoras, centros culturales, centros comunitarios…). Sheffield respondió también que ya hay suficientes evidencias. Si se desea innovación, ¡el riesgo es necesario!

Sesiones de información.  Seleccioné por un lado, el tema de “2012 año internacional de diálogo intercultural China-Europa”. El próximo año se pondrá en relieve toda acción cultural significativa de cooperación cultural emprendida entre China y la UE, mediante una etiqueta. No habrá un presupuesto específico, se usará parte del de comunicación de la DG Educación y Cultura. Las negociaciones del alcance del programa se están negociando entre Beijing y Bruselas. No se debe confundir este tipo de acciones con las que caracterizaron a otros años como “año europeo de… diálogo intercultural / innovación / lucha contra la pobreza…”. Después acudí a la sesión “Regiones y cultura, para colmar un déficit democrático”.  Se trata de una red que está naciendo, incorporando a representantes de administraciones locales y regionales así como de responsables de las oficinas de representación de ese tipo de administraciones en Bruselas (como la representación de Ile-de-France). Cuenta con 18 miembros interesados en temas diversos como la Cultura en la estrategia Europa 2020, las ICCs, el marco financiero 2014-2020, Europa creativa, etc. La pertenencia es gratuita, la red es administrada por el Gobierno Galés, Escocia y la región Västra Götaland.

Panel 4 – El empoderamiento de la sociedad civil en los países fuera de la Unión Europea: ¿Están prestando los actores culturales una voz fuerte a los procesos de democratización?

Decía el programa “La primavera árabe ha demostrado cuán poderosa puede ser la combinación de una juventud determinada y las nuevas tecnologías. Como se pudo ver en los países ex comunistas de Europa del Este, las voces culturales son trascendentales en la amplificación de las llamadas por la democracia de parte de la sociedad civil en su sentido abierto. Pero solamente pueden florecer en un contexto de protección de los derechos humanos. ¿Cómo puede la Unión Europea – que promueve los derechos humanos y la democracia como un objetivo estratégico de sus relaciones exteriores – dar mayor apoyo a la realización de este objetivo al integrar a actores culturales en su acción?  Este panel examinará el papel de los actores culturales y su cooperación en los procesos democráticos y cómo la UE puede promover esos procesos así como promover la comprensión mutua y los intercambios interculturales entre la UE y los países exteriores.” (Mi traducción)

Ahmed El Attar, Director del Independent Theatre y administrador general de la Fundación Studio Emad Eddin, recordando su participación como artista, se pregunta abiertamente ¿por qué todavía seguimos discutiendo sobre la importancia de la cultura?… ¡como si no fuera obvia! Cuando hace 15 años decidió en Egipto ser un director de teatro independiente, la gente a su alrededor no entendía su decisión. Sus actividades han sido siempre con financiación exterior ya que la ley egipcia daba la posibilidad al gobierno de cambiar unilateralmente la composición de la administración de una asociación basada en Egipto. El director comentó que si bien los representantes del gobierno han cambiado, lo que es necesario hacer evolucionar es la sociedad y en ello las artes y la cultura tienen un papel esencial. Presentó un corto vídeo que ha circulado en las redes sociales, conmocionando a la sociedad, que presenta dos escenas de violencia corporal, la primera en una escuela en una comunidad apartada donde los niños son golpeados sistemáticamente, y la segunda una escena en una comisaría de policía en que los presuntos culpables son golpeados también. El debate entre aquellos que sostienen este sistema de castigos y sus detractores es vivo en Egipto. El director también comentó que los procesos de solicitud de ayudas de la Unión Europea son complicados, engorrosos (una pesadilla) y exigen un personal dedicado a ello, lo que no siempre es fácil. Recomienda adoptar una estrategia como la sueca que ha contratado a un intermediario que facilita los procesos. Dio énfasis a las becas de formación y apoyos a los artistas como los otorgados por la Fundación Roberto Cimetta.

En una presentación emotiva y preocupante, Natalia Kaliada, fundadora y co-directora artística del Teatro Libre de Bielorrusia, “país situado a dos horas de avión de Bruselas”, denunció el totalitarismo reinante en su país, donde no hay ninguna libertad de expresión (ni de palabra ni artística). Recordó su arresto, la tortura que sufrió de parte de la policía y las amenazas a su familia (secuestro programado de su hija). También señaló la enorme cantidad de personas detenidas que participaron en la manifestación después de las “elecciones” pasadas. Por ello, invita a unirse a la campaña “Free Belarus now” que ha contado con el apoyo de artistas y sociedad civil en distintos países.

La dramaturga serbia, Borka Pavićević, del centro para la descontaminación cultural de Belgrado, recordó la transición difícil que ha vivido, tanto como persona como en su centro, en los que los problemas de identidad, de raíces, de unificación, de interpretación de los derechos humanos han ido de la mano con una cultura utópica, subversiva, demostrativa, que se manifiesta. “La Democracia no es sinónimo de una Sociedad Liberal”. Subrayó el lugar del arte en los momentos de miedo.

En un plano completamente distinto, regresando al terreno de los discursos de ideas sobre las políticas de la Unión Europea, la neerlandesa Marietje Schaake, miembro del Parlamento Europeo, se interesa en el papel de la UE en el campo de la cultura y las relaciones exteriores, cuando ésta desafía al status quo. Piensa que la UE debe apoyar a los espacios de cultura en el mundo, vehiculando los valores europeos, luchando contra la censura y la libertad de expresión en internet (pensando en el caso sirio). Invitó a la jornada sobre la cultura en el Parlamento Europeo el 29 de noviembre.

Los encargados de responder pertenecen ambos a direcciones de la Comisión Europea. Hugues Mingarelli, director administrativo para el Norte de África, Medio-Oriente, Península arábiga, Irán e Iraq, del servicio europeo de acción externa, recordó que los valores europeos son los valores universales. En la mayoría de los procesos de transición, hay el riesgo de que surjan períodos autoritarios. Contra ello, los artistas tienen una importancia significativa. Cada programa de la UE con los países terceros tiene una componente cultural. Entre las medidas que han previsto, la de otorgar apoyos a asociaciones que no están reconocidas por el país (por ejemplo, las de la oposición) y la de promover los acuerdos de visas facilitadas para algunos países. El director de desarrollo humano y social de la dirección de cooperación (EuropAid) de la Comisión Europea, Kristian Schmidt, compartió con el público la futura orientación de su unidad, dando una importancia particular a la promoción y protección de los derechos humanos. Como ejemplo de proyectos en este sentido, señaló la reconstrucción del Puente de Móstar. Se mostró opuesto a la instrumentalización de los artistas.

Sesión de clausura – Jan Truszczyński, Director General, DG Educación y Cultura, Comisión Europea. El Director retomó el tema de cada sesión de las jornadas y los fue asociando para comprender la filosofía del futuro programa “Europa creativa”. En este sentido, mencionó que será mucho más que la fusión de tres programas previos. También habrá un fondo de garantía para el acceso a la financiación comercial. Se han propuesto mejorar el monitoreo y la comunicación de resultados. La Comisión ha hecho una propuesta de presupuesto y el monto final dependerá de las negociaciones. Dijo que es necesario que los actores culturales apoyen esta propuesta financiera. La Cultura, que está considerada transversalmente en otros programas, sobre todo en la política regional, debe mostrar que sus efectos corresponden a la estrategia Europa 2020.

Con esta nota concluyo la reseña de las presentaciones del European Culture Forum. He tratado de recoger las ideas principales y en algunos casos he entrado en mayor nivel de detalle. Mi nota siguiente presentará algunas ideas y críticas con respecto al contenido y la participación del Foro. Adelanto un poco: si el interés de organizar una conferencia europea de esta naturaleza es innegable y los contactos inducidos entre los participantes son ciertamente positivos, la dinámica de las presentaciones, los comentarios, las preguntas y respuestas parecían no relacionarse con la(s) realidad(es) que atravesamos y las perspectivas futuras.

Presentación de Gerald Bast

El centro cultural Flagey de la comuna bruselense de Ixelles acogía el Foro Europeo de Cultura los días 20 y 21 de octubre pasados. Flagey fue sede de la radio belga desde los años 1930 y con la llegada de la televisión se transformó en polo audiovisual de excelencia. Hoy funciona como centro cultural, es sede de conferencias y alberga también las representaciones de algunas redes y asociaciones culturales europeas.

Para el segundo panel del 20 de octubre, la “Carte blanche” fue dada a Anamaria O’Hara Wills, directora de la Compañía “Creativity and innovation”. Esta simpática dama inglesa animó al público durante su presentación con anécdotas y bromillas sobre la creatividad y, sobre todo, la falta de promoción de ésta en los cursos formales de educación a todos los niveles en la mayoría de los países – parecería sin embargo que en Singapur la cosa va mejor – y no dejó de citar al ya consagrado Sir Ken Robinson (si no lo conocen, nada mejor que ver alguno de sus vídeos en que explica alegremente este tema, muchos están subtitulados en castellano, como éste).

Regresando al tema del panel, “¿Qué herramientas para la cultura en un mundo globalizado y digitalizado?”, su intención era  subrayar que “la globalización y la digitalización han tenido un impacto notable en las industrias creativas y culturales en muchos aspectos, comenzando por la creación y hasta en los públicos. Al mismo tiempo, el sector cultural se enfrenta a las consecuencias de la crisis económica y cortes significativos en los presupuestos públicos. En este contexto, el fortalecimiento del sector implica observar de cerca la nueva mezcla de herramientas que es necesaria en el sector para adaptarse y desarrollarse. El panel tratará tanto de las herramientas necesarias como de las distintas formas de consolidar las competencias culturales profesionales, desde la educación primaria hasta los intercambios entre colegas”.

El primer ponente, Vincent Grimond, Presidente de Wild Bunch Distribution, resaltó que él era uno de los pocos empresarios presentes en la conferencia y que su experiencia se desarrollaba en el campo del cine. Señaló la complejidad creciente de la producción cinematográfica, que va desde la planeación hasta la difusión de las películas, así como los costes crecientes para todas estas actividades de la cadena. Para muchas personas, la adaptación ha sido difícil. Sin embargo, las nuevas generaciones ya habrán integrado estas dificultades en su formación tanto artística como técnica, lo que le permite ser positivo en este sentido.

En otro orden de ideas, el director general de la Orquesta y Coro de la Orquesta Filarmónica Nacional de Hungría, Géza Kovács, partió recordando la falsa idea de que la globalización es un fenómeno nacido en estos últimos años y que los intercambios datan de siglos atrás, incluso mostró una serie de materias primas como el cacao, el tomate, la vainilla, etc. que habían llegado a Europa desde México y cómo estos elementos se habían asimilado en la cultura gastronómica europea hasta el grado de olvidar su origen. A partir de esta idea, el Director fue avanzando con respecto a la evolución que personalmente ha vivido desde su infancia en un pueblo apartado en Hungría en el marco del comunismo, hasta la época actual de grandes viajes y asimilación de las nuevas tecnologías en el quehacer cultural húngaro y mundial. Compartió brevemente la historia de Béla Bartók y su interés por la música popular de Europa Central (una vez que Zoltán Kodály ya había hecho lo mismo por la música popular húngara), integrando estas influencias en su creación artística. Recordó lo que decía Kodály a Bartók: “Seamos húngaros en Europa y Europeos en Hungría”. En la música, las influencias han sido normales sin que por ello se deje de tener una identidad propia, nacional en su caso, como los compositores Gershwin o Bernstein descendientes de europeos pero símbolos de la música clásica de los Estados Unidos. Es una cuestión también de programación, se toca música europea en el resto de mundo, pero también se escucha a Copland, Cage, Villalobos o Piazzola en Europa. Para el Director, los artistas también han adoptado las nuevas tecnologías a lo largo de la historia y hoy en día sus actividades están abiertas a las oportunidades dadas por las TICs, por lo que no ha de extrañar la difusión de conciertos por internet, el uso de las redes sociales y esto continuará así por la naturaleza propia de la música.

Los dos siguientes panelistas se concentraron más en el sector de la educación. El rector de la Universidad de artes aplicadas de Viena, Gerald Bast, comenzó su presentación con imágenes del Partenón y de Atenas, haciendo un guiño implícito a la situación actual de Grecia y recordando que por todo el mundo, incluso en la fachada del edificio de Wall Street, la estética clásica griega ha sido retomada por el símbolo fuerte de civilización que ha tenido. El rector criticó que la educación se ha ido redefiniendo más como un entrenamiento vocacional y los programas de estudio se han ido reduciendo a módulos estadísticamente medibles al servicio de la creación de empleos (employability) en vez de fundarse en visiones e ideas. Denunció abiertamente que la mayoría de los discursos de la Unión Europea se están basando esencialmente en el paradigma de la contribución de la cultura a la economía. Pero ¿cómo puede competir la cultura con la economía? La Cultura y las artes no deben ser reducidas a su dimensión económica. Para él, el futuro de Europa no está en su economía solamente, está en la identidad. Recordó que un presupuesto es una declaración política y una foto fehaciente de las prioridades asignadas a los sectores. Para concluir, el rector insistió en el hecho de que la creatividad y las herramientas creativas son elementos indispensables de todo tipo de industrias y que éstos deben ser integrados en los programas de estudio – respetando su visión de defensa de visiones e ideas.

De manera más concreta, el Director del Instituto para el empresariado creativo y cultural de la Universidad de Londres Goldsmiths, Gerald Lidstone, señaló que el espíritu del emprendedor puede ser social y esto no significa obligatoriamente que se busque beneficios financieros. También citó a Sir Ken Robinson. En los programas de estudios de su universidad, la definición del emprendedor se relaciona con la creación de valor, con estar motivado por la acción y la creación. Los cursos no insisten en el aprendizaje de las nuevas tecnologías, la mayoría de los estudiantes las dominan de manera autónoma. Ellos insisten sobre todo en los modelos de relación, con ellos mismos, con la gente/clientes y con la sociedad. Estos valores van a permitir el desarrollo creativo de los estudiantes. Y han agregado estos componentes a todas las formaciones de humanidades puesto que la creatividad no es un campo cerrado a los artistas o “creativos”. Muchas ideas creativas provienen de estudiantes en filosofía o pedagogía.

Para responder a los ponentes, el sueco Chris Torch, asociado Senior de Intercult Stockholm, retomó elementos que le parecían esenciales: la necesidad de considerar en los programas que la cultura es básica para la sociedad, como lo es la investigación y el desarrollo para las empresas. Insistió en que hay competencias y aspectos generales que deben incorporarse, como la flexibilidad, la movilidad y la migración (culturas y pueblos que cambian), la ética, la colaboración transnacional para generar relaciones constructivas, diplomacia… Señaló que hay que promover los lugares de encuentro intercultural, la reinvención urbana y del espacio público, las competencias en idiomas, el desarrollo de los públicos más allá del mero marketing. Concluyó mencionando que es necesario incorporar al sector cultural en la política de relaciones exteriores, con entrenamiento entre diplomáticos y operadores culturales. Por su parte, el representante de la Unidad de aprendizaje a lo largo de la vida en la Dirección de Educación y Cultura, Pierre Mairesse, retomó otros elementos, haciendo paralelos con el área que él domina que es la de la educación, recentrando el debate en una posición equilibrada de la necesidad tanto de herramientas para el desarrollo personal/social como para el acceso al trabajo. Las 8 competencias clave definidas por el marco europeo han sido aprobadas por todos los miembros y cada país de la Unión está poniendo en marcha un plan para consolidar el “zócalo (o pedestal) común de conocimientos y de competencias”, como es el caso en Francia.

La sesión siguiente, de información sobre las perspectivas del programa de Cultura para 2014-2020, sorprendentemente, no contó con la usual presentación “Power Point” destacando los puntos esenciales de la propuesta del programa “Europa Creativa”. En realidad, se trató de una charla informal sobre las características que tiene el proyecto de las que se ha oído ya en otros foros como la Universidad de verano del proyecto Sostenuto/Relais Culture Europe en París. Las preguntas del público, a mi parecer, recibieron respuestas vagas. En el mismo marco de la sesión, se presentó la campaña “We are more”, de la que he ya comentado en una nota anterior y cuyo estado actual merece una nota a parte.

Tres talleres de información simultáneos cerraron las sesiones del día. Como en los Open Days ya había yo escuchado una presentación sobre “las estrategias de innovación regionales para la especialización inteligente” y no había terminado bien de entender en qué consistía el proyecto, tenté una segunda vuelta. Desafortunadamente, la presentación “Power Point” era prácticamente la misma que en los Open Days. A pesar de la calidad del presentador, Pierre Godin, Analista político de la Unidad de innovación de la Dirección General de política regional de la Comisión Europea, el tema me parece todavía a un nivel de comunicación “para enterados”. Como es uno de los pilares de la política de desarrollo regional (de cohesión, fondos estructurales, etc.) y de su relación con las industrias culturales y creativas, me concentraré en futuras notas sobre este tema, desde lo básico hasta las ventajas y desventajas de este acercamiento (approach) que ha llegado para quedarse.

La jornada cerró con un concierto de gran calidad interpretado por la Orquesta Europea de Cámara que ha cumplido 30 años en 2011. El programa incluyó obras de Ravel, Mozart y Rossini. El encore fue la versión musical de la Oda a la alegría de Beethoven, que es el Himno europeo.

Mis dos siguientes notas terminarán la reseña del Foro Europeo de Cultura, una con respecto a las sesiones del viernes 21 de octubre y otra nota ya centrada en observaciones más bien críticas con respecto a la dinámica del Foro (contenido, actitud de los participantes, contradicciones…).

Esta mañana (20 de octubre) ha comenzado en Bruselas el Foro Europeo de Cultura organizado por la Dirección General de Educación y Cultura de la Comisión Europea. Esta cita es bienal y acuden a ella una gran diversidad de representantes de instituciones culturales, organismos no gubernamentales, artistas, académicos, autoridades de gobiernos locales y regionales, etc. Se habla de 800 participantes.

Como se puede ver en el programa, la primera parte de la jornada ha incluido dos mensajes de apertura de la Comisionada para la educación, cultura, multilingüismo y juventud de la Comisión Europea, Androulla Vassiliou, así como el Ministro de Cultura y Patrimonio nacional de Polonia, Bogdan Zdrojewski (su país ocupa la Presidencia de la Unión Europea en este segundo semestre de 2011). Como en todo tipo de discursos de bienvenida, ambos resaltaron la importancia intrínseca de la Cultura y de la labor artística y, como las tendencias económicas y políticas obligan, resaltaron la importancia de la innovación, la creatividad y su contribución al crecimiento económico y la calidad de vida de los ciudadanos. En particular, la Comisionada citó el ejemplo concreto de una exitosa reconversión industrial para fines culturales de las instalaciones de una mina en la región siderúrgica otrora próspera de la Ruhr, Alemania: se trata de la Zollverein de Essen. Además de generar un nuevo dinamismo cultural y empresarial en la zona, el complejo cultural ha dado lugar a 1.000 empleos. Por su parte, el Ministro polaco, planteó – como ya otros muchos lo han declarado – que la respuesta a la crisis económica que vivimos es la Cultura y que ésta se encuentra en el corazón de la solución. Por ello, insistió en la importancia de la educación y el fortalecimiento de las competencias (capacidades) de las personas; de la riqueza brindada por la diversidad cultural; de las amenazas y oportunidades que abren las tecnologías digitales. Curiosamente señaló que al incremento de fondos otorgados a la cultura por parte de los gobiernos en todos sus niveles debe corresponder una respuesta fuerte de los artistas y creativos… Lo que no está claro para mí es en dónde ya concretamente ha sucedido este incremento.

El primer panel de la jornada tuvo por nombre “Digitalizar – ¿Cómo explotar plenamente las oportunidades?”. La presentación de la trama temática señala que “el cambio digital está trayendo consigo cambios mayores en el trabajo, estilos de vida y patrones de consumo. También está liberando potenciales de creatividad. Sin embargo, ¿los artistas y los profesionales de la cultura están haciendo el mejor uso de las oportunidades disponibles para alcanzar nuevos públicos? ¿Están adaptando las industrias culturales y creativas sus modelos de negocios para hacerse de los beneficios de la digitalización? El panel examinará nuevas estrategias de construcción de públicos y la eventual replicación (adaptación) de algunos nuevos modelos exitosos de negocios”. (Mi traducción)

Jan Willem Sieburgh, ex-Director del Rijksmuseum de Amsterdam, tuvo una “Carte blanche” para crear su presentación. Partió de una frase clave para la vida actual de los museos: “Pasar de colectar (coleccionar) a conectar”. Explicó los elementos de su modelo para esta transición: gente, objetos y conocimientos. Creando las arquitecturas de información adecuadas, se instaura una conversación entre la gente y la colección del museo, dando lugar a la posibilidad de negocios y alianzas estratégicas:

En este sentido, mencionó la  conexión que tuvieron con una cadena comercial llamada HEMA (mostró imágenes en que muchos productos incluían imágenes de la colección del museo). Otra alianza que generó mayor contacto con los públicos fue la realizada con la revista QUOTE que trata de las “fortunas” a la manera de la revista Fortune, incluyendo un tema sobre la clase rica en la época de gloria económica de los Países Bajos (Siglo de oro), ilustrada por obras de la colección. Y también la interesante creación de una mini-sucursal en el aeropuerto Schiphol.

En cuanto a proyectos, propuso dos ejemplos a los que dio vida durante su mandato en la dirección del museo: por un lado RijksmuseumXL (con experiencias de realidad aumentada ligando los paisajes de Ámsterdam con las obras de la colección, o nuevas formas de búsqueda de imágenes e incluso un juego de lotería en torno a la obra maestra de Rembrandt “La Ronda de noche”). Por otro lado, agregó el proyecto realizado con Damien Hirst, www.fortheloveofgod.nl, que ponía en relación objetos de la colección con respecto a relaciones binomiales “Vida-muerte”, “Cuerpo-alma” y otros temas populares en el s.XVII.

Para concluir, con respecto a los nuevos modelos de negocios, señaló que la nueva relación con los públicos puede dar lugar a ingresos directos; confiere legitimidad (y quizás genera) el apoyo de los poderes públicos; permite contar con mejores o más fuertes patrocinadores (porque a los patrocinadores les gusta apoyar esencialmente los casos exitosos)… Curiosamente, a pesar de que ya existe un cierto número de programas, propuso la creación de un programa de administración para el sector creativo. El ponente cerró mencionando que se trata bien de una revolución cultural que requiere de herramientas de negocios, de creación de valor (artístico, con respecto a los públicos, económico…) y de evaluación de resultados.

Enseguida, tres ponentes presentaron ejemplos de situaciones muy heterogéneas, lo que me dejó la impresión de falta de precisión en el funcionamiento del panel y que se confirmó a la hora de las preguntas y comentarios con el público. Me parece importante reseñar una de las conclusiones de Anne Krebs, Responsable del departamento de estudios e investigación del Museo del Louvre, sobre la fractura digital patente en la población, que tiene que ver más con el nivel educativo que con el poder adquisitivo (aunque también participa). Es decir, hay mucha gente que no ha recibido la suficiente formación para enfrentarse a la información disponible en internet, tanto para acceder a esa información, como para interpretarla y jerarquizarla, y sobre todo, para tener un punto de vista crítico. También subrayó la cuestión de la falta de neutralidad del mensaje – cuando se asocia la información a una campaña publicitaria por ejemplo. Recordó los resultados de un estudio de la Universidad de Princeton que mostraban que los usos y las opiniones no se están transformando con internet, aunque sí se están acelerando los usos.

Con respecto a los otros dos ponentes, Tobias Golodnoff presentó un caso muy concreto de un proyecto para usar los archivos de imágenes de la compañía de radio-televisión nacional danesa. Michel Lambot, co-presidente de un grupo privado de entretenimiento, expuso los cambios a los que se ha venido enfrentando su compañía. Entre ellos, la disminución dramática de sus ventas, la mutación de los empleos en la empresa ya que están necesitando más contadores, juristas y financieros, y también puestos relacionados con la administración de la tecnología y el marketing. Se preocupa de la progresiva disminución de apoyo a valores emergentes en un marco de consolidación de valores mainstream.

Los invitados a responder a las presentaciones, dada la variedad de contenidos, se concentraron en recordar prioridades y constataciones del periodo que vivimos. Por ejemplo, Ignasi Guardans, recordó la importancia de los creadores en este tema, la necesaria adaptación de todo el marco legal – que data de otra era –  y la generación de esquemas de apoyo financiero para responder al contexto por el que atraviesan las industrias creativas y culturales.

La nota siguiente versará sobre los paneles y sesiones de la segunda parte de la jornada.